Helgas Musikträume

Rezension:Sylt Sounds (Gebundene Ausgabe)

2011-11-08T23:48:00.001+01:00

"Sylt Sounds" ist ein wunderschönes earBook, mit beeindruckenden Fotos der Insel Sylt, realisiert von dem Diplomgeografen Hans Jessel. Ferner sind dem Buch 3 CDs beigegeben. Auf einer sind typische Geräusche von Sylt, wie Meeresrauschen, Möwenlaute, Glockengeläut etc., auf den anderen beiden Elektro- und Loungemusik zu hören, bei der ich übrigens sehr gut am Computer arbeiten kann.

Die Fotos im Buch sind den einzelnen Jahreszeiten und auch Originalsounds auf den CDs zugeordnet. So sieht man beispielsweise einen Watvogelschwarm über den Sandinseln östlich des Rantum-Beckens und hat Gelegenheit das, was man auf dem Bild wahrnimmt, entsprechend auf der CD "Pure Sounds" auch zu hören.

Es ist wirklich faszinierend, nicht nur einen visuellen Eindruck vom Strand von Westerland zu haben, sondern auch den Möwen dort lauschen zu können.

Verliebt habe ich mich in ein Foto, das den Titel "Pforte am Watt" trägt und bei dem ich am liebsten Chopin hören würde, weil es in mir eine Erinnerung wachruft, aber ich höre einen Elektrosound und komme so auf andere, weniger melancholische Gedanken. Traumhaft auch ist die Abendstimmung am Roten Kliff und die Blidselbucht im Morgenrot, deren Geräuschkulisse man auf "Pure Sounds" ebenfalls hören kann.

Es sind die Herbst- und Winterbilder, die mich am meisten faszinieren, so etwa die Holzpfahlbuhne im Morgennebel in Rantum-Nord und das vereiste Watt auf Höhe Sansibar. Wer wissen möchte, wie die Geräusche bei Winterlicht über St. Severin sich anhören, hat die Chance sich auf der CD zu informieren.

Ein gelungenes earBook. Nicht nur für Freunde dieser Insel, ein besonderer Leckerbissen

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Rezension:Black and White: The Jazz Piano (Audio CD)

2011-11-07T21:42:00.003+01:00

Dieses earBook wird alle Freunde des Jazz entzücken, denn es enthält nicht nur eine Fülle von Sachinformationen im Hinblick auf die Geschichte des Jazz und eine ebensolche Fülle von Fotos bekannter Jazzpianisten, sondern des Weiteren vier CDs mit exzellenten Stücken namhafter Künstler. Die Klangqualität ist bestens.

Auf der CD 1 hat man Gelegenheit sich des Blues und Boogie-Woogie zu erfreuen. Hier hört man Interpreten, wie Pete Johnson, Jimmy Yancey, Jabo Williams u.a.m.

Auf CD 2 "Nobility at the Keybord" haben mir die Stücke von Benny Goodman, Duke Ellington and his famous Orchestra und Teddy Wilson and his Trio am besten gefallen.

Meine Lieblings-CD ist CD3 "Small Group, Great Sounds". Der von mir geschätzte Nat King an his Trio sind ein Traum und das Dave Brubeck Quartett ebenfalls.

Derzeit höre ich CD4 "Funky kind of Blues" und bin hingerissen vom Miles Davis Sextet.

Im Buch erfährt man, dass die Wurzeln des Jazz bis ins 19. Jahrhundert zurückreichen. Man nannte diese Musik Ragtime. Das war der unmittelbare Vorläufer zum Jazz. Schwarze Pianisten mit guter musikalischer Ausbildung schufen den Ragtime und stellten die wichtigsten Vertreter dar. Später dann wurde in der Mischung mit Blue Notes und dem Geist einer neuen Freiheit aus Piano-Rag der Piano Jazz. Dabei entstand der Blues in den ländlichen der Gegenden des tiefen Südens der USA, lange bevor Jazz gespielt wurde und wurde später in seiner typischen Form und seiner harmonischen Struktur zu einem wesentlichen Element in der Entwicklung des Jazz.

Man lernt Bessie Smith, Willie "The Lion" Smith und Pete Johnson näher kennen, der ein versierter Pianist und Innovator war und einen enormen Einfluss auf die Entwicklung des Jazz und auf andere Pianisten hatte. Der Blues allerdings wurde schon lange gespielt, bevor James P. Johnson und Jelly Roll Morton ihn mit anderen Elementen verschmolzen und einen neuen Sound schufen.

Man liest nicht nur von Ragtime und Blues, sondern auch von Boogie und der Generation von Pianisten, die für die Boogie-Woogie-Welle verantwortlich. Erst während des Revivals der dreißiger und vierziger Jahre war der Boogie-Woogie so populär, dass er keineswegs nur auf das Piano beschränkt blieb, sondern sogar Bandleader infizierte, (vgl.: S. 31).

Zur gleichen Zeit, als Pianisten wie James P. Johnsen die Beschränkungen des Ragtime überwandten und Fats Waller zu swingen begann, gab Earl Hines dem Pianospiel eine neue Richtung. Er entwickelte ein neues Konzept der Improvisation auf den 88 Tasten und wurde damit zum ersten großen Jazz-Pianisten, (vgl.: S.41). Über ihn erfährt man im Buch Näheres. Armstrong war damals der König einer aufregend neuen Art von swingendem Jazz und Hines sicherte sich den Ruf als einer der größten Stilisten dieser Musik.

Art Tatum bleibt nicht unerwähnt, der einen unbeirrbaren Sinn für Rhythmus und eine Begabung für extravagante Harmonisierungen hatte. Es ist unmöglich all die Künstler, die im Buch vorgestellt werden, hier kurz zu erwähnen. Duke Ellington und Teddy Wilson auf der CD2 treffen meinen Geschmack. Wilson war der wichtigste Pianist der Swing-Ära, wie man liest. Man erfährt Näheres zu dem Goodman-Orchester, auch zu Freddie Green und zu Ellington, der selten ein Solo spielte, wenn er mit seiner Band arbeitete. Das Klavier spielte er mit einem üppigen resonanten Ton und dirigierte und inspirierte seine Band, doch wenn einer seiner Musiker ein Solo spielte, hielt er oft still.

Über meinen Lieblingsjazzpianisten und Sänger Nat King Cole wird man sehr gut informiert. Er spielte einen eleganten, kreativen Swing und war vielen Zeitgenossen melodisch und harmonisch weit voraus. Bei allem überschattete Coles Erfolg als Sänger seine Bedeutung als Jazzpianist, das will ich nicht unerwähnt lassen.

Man liest weiter von Milt Jackson, dessen temperamentvolle Improvisationen mit plötzlichen Ausbrüchen schneller Phasen einen spannenden Gegensatz zu John Lewis`feinem und sparsamen Pianospiel bildeten, (vgl.: S.101). Ausführlich wird man mit Miles Davis vertraut gemacht und mit Lennie Tristano, der den Bebob zu überwimden suchte, erfährt auch, dass Tadd Dameron einer der talentiertesten Arrangeure der Bebob-Ära war und 1949 eine Band leitete, der Davis als Solist angehörte.

Die Texte sind in deutscher und englischer Sprache abgedruckt.

Das earBook empfehle ich gerne. Die Auswahl der Stücke ist überaus gelungen. Ich bin begeistert.

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Rezension:Kurioses aus Venedig: Mit einer Vivaldi-CD - Il Complesso Barocco (Gebundene Ausgabe)

2011-10-04T23:43:00.001+02:00

Donna Leon wartet mit einem netten kleinen Gruß aus Venedig auf. Bei diesem Gruß handelt es sich um ein Büchlein mit sieben kuriosen Geschichten aus dieser Stadt, sowie Ablichtungen von beeindruckenden Gemälden mit Venedig-Motiven aus dem 16. und 18. Jahrhundert, bei deren Anblick man meint, Klänge von Vivaldi zu vernehmen.

Diesem Büchlein ist übrigens eine CD mit 7 Konzerten dieses Komponisten belegt worden. Alle Stücke wurden von "Il Complesso Barroco" unter der Leitung von Riccardo Minasi für diese CD eigens eingespielt.

Die Spieldauer der CD beträgt 67 Minuten. Die Klangqualität ist bestens.

Man liest über Casanova, über Vivaldi, über venezianische Dirnen und hier auch über Veronica Franco, die im Alter von 40 Jahren beschloss ihr Leben zu ändern, indem sie in einem Frauenhaus Prostituierten Zuflucht bot, sofern diese wie ihre Schutzherren ein anderes Leben führen wollten...

Über all dieses und vieles mehr berichtet Donna Leon sehr kurzweilig, während man im Hintergrund Konzerte von Vivaldi hören kann. Wahre Musikliebhaber hören Musik, wie wir alle wissen, nicht nur nebenbei, sondern konzentrieren sich völlig auf den Hörgenuss und lesen das Büchlein hinterher, wenn sie musikalisch in die italienische Barockzeit eingestimmt sind.

Empfehlenswert.

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Rezension: Maksim: The Piano Player (Audio CD)

2011-08-02T23:49:00.002+02:00

Den kroatische Pianisten Maksim Mrvica habe ich im vergangenen Jahr auf "Youtube" kennengelernt und mich sofort in seine Klavierinterpretationen verliebt. Jetzt erst habe ich mir die CD "The Piano Player" gekauft und bin noch immer begeistert von Maksims temperamentvollem, zugleich aber höchst sensiblem Spiel.

Maksim Mrvica hat in Zagreb, Budapest und Paris studiert und bereits viele Preise für sein Können erhalten. Seine Spezialität besteht darin, Klassik mit Rock- Pop- und Technoelementen zu mixen.

Mich begeistert das flinke Fingerspiel dieses Pianisten, nicht nur beim "Hummelflug", aber hier besonders. Meine Lieblingsstücke auf der CD sind "Sarabande" und die "Etüde moll", die so wie Maksim sie spielt, mein Herz völlig aufwühlt.

Maksims Spiel ist unglaublich gegenwärtig, lässte kaum Träumereien zu, erzeugt aber bei "Sarabande" trotzdem ein unendliches Gefühl der Sehnsucht.

Wie macht er das? Durch Präsenz, unglaubliche Präsenz und einem absoluten Gefühl dafür, was die Komponisten einzelner Stücke wirklich gemeint haben. Maksim schafft es, die Seelenkomponenten der Stücke freizulegen und in ihrer Vielfalt erklingen zu lassen.

Ich bin begeistert.

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Rezension:Lendvay (Audio CD)

2011-08-01T23:50:00.001+02:00

Der ungarische Stargeiger Jozsef Lendvay hat hier eine außergewöhnliche CD bespielt. Zuerst gilt es den jungen Mann vorzustellen. Er hat eine klassische Geigenausbildung genossen und danach seinen eigenen Stil weiterentwickelt. Das macht ihn zu einem unverwechselbaren Interpreten dieses Instrumentes.

Die Komponisten der einzelnen Stücke, die auf dieser CD vorgestellt werden, stammen aus unterschiedlichen Epochen, als da sind Vivaldi, Tschaikowsky, Brahms, Paganini und Rimski-Korssakoff aber auch, der größte argentinische Tangokomponist Astor Piazzolla. Natürlich gehören auch Komponisten von traditioneller Zigeunermusik dazu.

Jozsef Lendvay vereint sie alle mit seiner persönlichen Art der musikalischen Interpretation, die eine große Bandbreite entwickelt. Einfühlsame Töne, zart gespielt, wechseln sich mit stakkatohaftem Tanz auf den Violinsaiten ab und nehmen die Csárdás-Jünger mit in die Musikwelt der Zigeuner.

Dieser Künstler und seine Mannen spielen mit ganz starker Ausdruckskraft. Keine Seele bleibt unberührt, wenn die Töne des Geigers das Instrument verlassen haben.

Bei der Tango-Komposition von Piazzolla hat die Geige das Originalinstrument des Bandoneons vorzüglich ersetzt, beide erzeugen tiefe Sehnsüchte.

Die Zigeunerweisen, die Jousef Lendvay vorträgt, erinnern mich an einen Abend in Budapest vor vielen Jahren als ich mit ungarischen Freunden, die "Fortuna", ein klassisches, ungarisches Restaurant in der Nähe der Fischerbastei besucht habe, in dem die besten Zigeunerkapellen der Stadt spielen. Mit fortschreitendem Abend und nach dem einen oder anderen Glas Wein, das die Kapelle von den Gästen spendiert bekommen hat, wurde das Spiel immer emotionaler bis der Hauptgeiger zu seinem eigenen Spiel zu weinen begann. Zweifellos ist Lendvay genauso in der Lage seine Zuhörer derartig zu berühren.

Empfehlenswert.

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Rezension:Experience Hendrix: the Best of Jimi Hendrix (Audio CD)

2011-07-30T21:41:00.003+02:00

Mit dieser CD begeben wir uns in göttliche Gefilde. Jimi Hendrix ist der Gitarrengott und so ist auch die Handhabung seines Lieblingsinstrumentes überirdisch. Ich sage nur: "Purple haze" oder "The wind cries Mary" oder "Hey Joe".

Eine ganze Generation von Musikbesessenen lag ihm zu Füßen. Natürlich sind diese drei soeben erwähnten Stücke auch auf dieser "Best-of" - CD.

Sein Gitarrenspiel ist virtuos und dann seine Stimme dazu. Die Zeitschrift "Rolling Stone" hat ihn zum besten Gitarrenspieler aller Zeiten gekürt.

Keiner rockt die Seiten seines Instrumentes so genial wie er, keiner entreisst der E-Gitarre solche experimentellen Klänge wie der Meister selbst.
Alles dieses ist auf dieser CD in hervorragender Klangqualität zu hören. Der wahnsinnige Sound durchdringt jede Zelle des Körpers. Zurück bleibt nur Faszination.
Sind die 21 Stücke abgeebbt, überkommt den Elektrisierten große Traurigkeit. Mit 27 Jahren starb das Musikgenie. Getreu dem Motto des Clubs der 27 "Live Fast, Love Hard, Die Young ".
Ein Muss für Musikfreaks.

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Rezension:Spiritual Music of the Incas (Audio CD)

2011-07-30T21:30:00.002+02:00

Welch` ein wunderbares Klangerlebnis! Die vorliegende CD "Spiritual Music oft the Incas" legt Zeugnis davon ab, dass dieses untergegangene Volk nicht nur hervorragende Baumeister waren, sondern, dass sie auch einen Musikstil pflegten, der außergewöhnlich war.

Das rhythmische Flötenspiel ist so ausdrucksstark, dass schon nach wenigen Klängen ganz bestimmte Bilder aus den Anden sich vor dem geistigen Auge ausbreiten. Man sieht die Indios in ihren bunten Ponchos über den weiten Hochebenen der peruanischen Anden wie sie immer andere Melodien spielen.

Der Wind trägt die spirituellen Weisen hinauf auf die Höhen der alten Ruinenstadt der Inkas "Machu Picchu" und immer wird das Spiel von Sehnsucht begleitet, der Sehnsucht auf den Schwingen des Condors über die mächtigen Berge der Anden hinwegzugleiten. Ja, sie weckt Sehnsüchte, die Musik der Inkas.

Die beiden CDs sind guter Klangqualität. Insgesamt werden 40 Einzelstücke vorgetragen.

Empfehlenswert.

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Rezension: Seine Schönsten Hits (Audio CD) - Angelo Branduardi

2011-07-30T21:19:00.002+02:00

Angelo Branduardi gilt als der Poet unter den italienischen Musikern. Geboren in der Nähe von Mailand im Jahre 1950, hat er sich schon früh mit der Ausbildung an der Violine beschäftigt. Während seines Studiums, er belegte Philosophie in Mailand, begann er eigene Gedichte zu vertonen und diese, begleitet von seiner Gitarre, vorzutragen.

Die vorliegende CD "Seine Schönsten Hits" umfasst 18 einzelne Songs, die in einem Stilmix daher kommen. Dieser reicht von der italienischen Renaissancemusik bis hin zum argentinischen Tango. Dabei legt Branduardi stets großen Wert auf die textlichen Inhalte. So erzählt er in diesen Liedern Sagen und Gedichte, die, vorgetragen mit seiner engelsgleichen Stimme, vorzüglich harmonieren.

Man muss sich Branduardi vorstellen wie er am geöffneten Fenster eines Renaissancepalastes steht, eines seiner gefühlsbetonten Liebeslieder vorträgt und sich selbst mit einem Instrument aus der Renaissance begleitet. Die Melodie weht hinaus in das üppige Grün des toskanischen Gartens, wo junge adelige Damen verstohlen zu ihm hinaufschauen und dabei versuchen diese wunderbaren Lieder nachzusummen.

Diese CD ist unerlässlich, wenn man zur Minne schreitet:-))

Empfehlenswert.

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Rezensionen:Olympia 1964-Remastered (Audio CD)

2011-07-30T21:06:00.004+02:00

Die vorliegende CD wurde 1964 bei einem Konzert des belgischen Chansoniers in einem der berühmtesten Musiktempel der Welt, dem Pariser Olympia, aufgenommen. Wie wir wissen, hat es 1964 noch keine CDs gegeben, somit ist dieses Konzert viele Jahre später auf die silberne Scheibe in einer hervorragender Qualität übertragen worden.

Wer war Jacques Brel? In gut situierten Verhältnissen in der Nähe von Brüssel aufgewachsen, sollte er ursprünglich das Familienunternehmen weiterführen. Dies war so gar nicht in seinem Sinne. Seine Liebe galt dem Theater und der Musik. Auf Umwegen kam er in Paris an, um als Chanson- Sänger in Bistros und kleinen Kellertheatern seine selbstkomponierten Lieder vorzustellen. Den Weg nach oben hat er auch Juliette Greco zu verdanken, die ein Chanson von ihm vortrug und er somit einem größeren Publikum bekannt wurde. Jetzt erst wurden die Pariser auf den Mann mit der einprägsamen Stimme aufmerksam. Ein neuer Stern am Chanson- Himmel war aufgegangen.

Die CD zeigt, zu welchen musikalischen Glanzpunkten Jaques Brel fähig war. Seine Stimme umwirbt das Publikum dermaßen, dass die Menschen, die ihm zuhören, völlig in seinen Bann gezogen sind. Wenn er, wie auch auf der CD zu hören, seinen großen Hit "Amsterdam" anstimmt, branden Jubelstürme auf. Jedoch nicht nur seine bekannten Chansons offenbaren die Seelentiefe dieses faszinierenden Chansoniers, sondern auch temperamentvolle Momente nehmen uns gefangen.

Jacques Brel, ein ganz Großer seiner Zunft, der leider viel zu früh als 49 jähriger verstarb.

Empfehlenswert.

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Rezension:Blues Corner-the Best of Blues (Audio CD)

2011-07-30T21:03:00.001+02:00

Diese Doppel-CD mit 32 Blues-Interpretationen ist eine gelungene Zusammenstellung von vielen Größen aus der Blues-Szene. Dabei ist Gary Moore mit seinem Welthit "Still Got The Blues" einer der bekanntesten Akteure.

Sein Gitarrenspiel ist in der Blues-Szene einzigartig, ein Markenzeichen. Jedoch auch die anderen Bands, sollten Sie dem interessierten Zuhörer nicht geläufig sein, sind Weltklasse.

Blues wurde von den Farbigen in den Südstaaten der USA entwickelt, um sich in ihrem elenden Dasein als Arbeitssklaven zu artikulieren. Es war der Blues, der sie für einige Zeit vergessen ließ, wie trostlos sie ihr Leben fristen mussten. Allein diese Musik hat sie ihr Leben lang hoffen lassen.

Die unterschiedlichen Bands interpretieren natürlich diesen Musikstil auf ihre jeweils eigene Weise. Allen ist jedoch gemeinsam, dass die stimmlichen als auch instrumentalen Klänge bis in die Seele durchdringen. Alles drum herum verschwindet ins Nichts. Der Blues ist ganz Mittelpunkt.

Empfehlenswert.

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Rezension:Nina de Fuego (Audio CD) -Concha Buika

2011-07-26T17:39:00.002+02:00

Die spanische Sängerin und Komponistin Concha Buika, deren familiäre Wurzeln in Äquatorialguinea liegen, ihre Familie stammt von dort, während sie in Palma de Mallorca geboren wurde, wuchs bei Zigeunern auf.

Ihre unverwechselbare Stimme berührt den Hörer mit einer rauchigen Tiefe, die erotische Anziehung ausstrahlt.

Im Jahre 2008 war sie mit dem vorliegenden Album zum "Latin Grammy Award" nominiert.

Das Album ist eine aus Mischung aus Jazz, Funk, Soul und Flamenco-Interpretationen.

Diese zutiefst eindringliche Stimme ist es wert, einem noch größeren Publikum publik gemacht zu werden. Wir dürfen uns auf weitere gelungene CDs freuen.

Empfehlenswert.

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Rezension: Nat King Cole- En Espanol

2011-07-26T15:00:00.001+02:00

Ein Name, eine Weltkarriere, ein unsterblicher Sänger: Nat King Cole war schon zu Lebzeiten eine Legende. Zweifellos ist er einer der größten Musiker des 20. Jahrhunderts.

Seine Musik wird auch in den nächsten Jahrhunderten weiterleben. Dazu trägt auch die CD "Nat King Cole - En Espanol", eine CD mit 16 Einzelinterpretationen, die zum Teil in spanischer Sprache aufgenommen worden sind, bei.

Wer Nat King Cole kennt und alle Menschen, die an moderner Musik interessiert sind, haben sich schon einmal von seiner Stimme verzaubern lassen, kann sich bestimmt vorstellen, wie gut die Verbindung zwischen der Stimme des Amerikaners und dem Temperament der Sprache der "Latinos" zusammenpasst.

Die einzelnen Stücke sind in der genannten Kombination besonders ausgewählt. Sie verführen den interessierten Zuhörer aus der Tristesse eines verregneten mitteleuropäischen Augustabends in die tropische Wärme einer karibischen Sommernacht. Im Hintergrund glaubt man die Wellen des Meeres zu hören, die an den Palmenstrand gespült werden.

Empfehlenswert.

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Rezension: Crazy Love (Hollywood Edition) (Audio CD)

2011-07-26T14:57:00.002+02:00

Der Kanadier Michael Bublé hat auf dieser Doppel-CD "Crazy Love (Hollywood Edition)" wieder einmal bewiesen, welch großartiger Sänger er ist und mit welcher phänomenalen Stimme er gesegnet wurde.

Dieses musikalische Ausnahmetalent hat eine rasante Weltkariere hingelegt, von Auftritten in Clubs in Vancouver bis zu gefeierten Konzerten in allen heiligen Musikhallen dieser Welt ist ihm ein schneller Aufstieg gelungen.

Dazu haben sowohl die eindrucksvollen Arrangements in Swing und Rock seiner Lieder beigetragen, jedoch ist es in erster Linie seine einfühlsame Stimme, die den Zuhörer einnimmt. Seine Balladen lassen die Herzen der vielen weiblichen Fans glühen.

Die Doppel-CD umfasst 22 Einzelinterpretationen. Wie immer bei Michael Bublé trägt er sein gesamtes Repertoire vor. Dabei hören wir bekannte Welthits wie "Georgia on my mind" und "Me & Mrs. Jones".

Die Cover-line zeigt schon an, worum es in dieser CD auch geht: es werden nämlich einige Musikstücke aus berühmten Hollywoodfilmen auf Michael Bublés ureigene Weise interpretiert und zum Genießen vorgetragen.

Empfehlenswert.

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Rezension:The Very Best Of Diana Krall (Audio CD)

2011-07-19T19:23:00.001+02:00

Heute möchte ich eine erfolgreiche, gut aussehende kanadische Sängerin mit ihrem "The very best of"- Album vorstellen. Aber es ist nicht ihre attraktive Erscheinung, die hier gelobt werden soll, sondern es ist ihre facettenreiche Stimme, die den Hörer in den Bann zieht.

Als Jazzinterpretin hat sich Diana Krall weltweit Achtung verschafft, nicht zuletzt auch durch ihre Auftritte bei den großen Jazz-Festivals rund um den Globus. Ihre Stimme betört sowohl durch einfühlsame Interpretationen von Love-Songs als auch durch mitreißende Jazz-Rhythmen.

Die vorliegende CD belegt das soeben erwähnte Repertoire und wird durch 15 unterschiedliche Songs dokumentiert. Insgesamt strahlt die Zusammenstellung der Scheibe eine durchgängige Leichtigkeit aus, wobei die Stimme jedoch alles andere als oberflächlich wirkt. Stücke wie "The look of love" verzaubern sofort den interessierten Zuhörer und führen ihn in einen angenehmen Schwebezustand, der nur noch dadurch gesteigert werden kann, in dem er das zarte Funkeln in den Augen einer gefühlsintensivierten Mithörerin sieht. Diese Stimmung muss dann unbedingt durch ein Glas Champagner gekühlt werden.:-))

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Rezension:Gracias a la Vida (Audio CD)

2011-07-18T18:05:00.004+02:00

Die in Spanisch singende, mit einer unverwechselbaren Stimme ausgestattete Frau gilt als die wohl bekannteste Sängerin Südamerikas. Mit ihren Liedern ist sie um die ganze Welt gezogen. Sie hat in den berühmtesten Musiktempeln unseres Globus ihre einfühlsame Stimme erklingen lassen, so wie im Olympia in Paris, in der Royal Albert Hall in London als auch in der Philharmonie in Berlin.

Das vorliegende Album zeigt die große Bandbreite der argentinischen Musik. So hören wir den Tango, auch beeindruckende Weisen aus dem Hochland der Anden und feurige Lieder, die von einer wunderbaren spanischen Gitarre begleitet werden.

Diese Musik eignet sich hervorragend für stimmungsvolle Sommerabende, wenn der Wein seine erste Wirkung getan hat und sehnsüchtige Gedanken über den Südatlantik hinüberwehen und vor dem geistigen Auge die zutiefst beeindruckenden Landschaften von San Miguel de Tucuman, Mendoza oder Patagoniens erscheinen.

Die Stimme dieser großartigen Sängerin hat schon nach den ersten Tönen das Ohr des Zuhörenden geöffnet, um dann nach und nach bis in die Seele vorzudringen. Zurück bleibt nur noch Sehnsucht.

Sehr empfehlenswert.

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Rezension:Darf ich bitten: Von rauschenden Bällen, heißen Rhythmen und nimmermüden Füßen: (Gebundene Ausgabe)

2011-04-30T21:28:00.001+02:00

Claudia Teibler befasst sich in diesem Buch mit einer Tätigkeit, die vielen Menschen in allen Zeiten Vergnügen gebracht hat: mit dem Tanz und seinen zahlreichen Ausdrucksformen.

Unmittelbar nach der Einführung hat die Autorin eine Passage aus Molières "Der Bürger als Edelmann" in ihr Buch eingebunden, in der es an einer Stelle heißt: "Ein Mensch, der nicht tanzt, taugt zu nichts." Nimmt man Molieres Satz ernst, lässt sich gewiss darüber streiten. Dies allerdings finde ich unergiebig.

Mir fiel in jungen Jahren stets auf, dass junge Männer, die nicht tanzen wollten, zumeist ein wenig verklemmt waren und Angst vor Tuchfühlung, aber auch vor freier Bewegung hatten. Ich kannte auch Frauen, die sich vor dem Tanzen fürchteten, nicht so sehr die falschen Schritte zu machen, sondern weil sie befürchteten durch den Tanz ihr Inneres nach außen zu bringen und es unverhohlen (nein, nicht exhibitionistisch:-)) zu zeigen.

Beim Tanz sieht man wie frei man im sexuellen Miteinander ist, ob man will oder nicht. Über diese Tatsache lässt sich m.E. nicht streiten.:-)) Der freie Tanz in unserer Gesellschaft begann mit der sogenannten sexuellen Revolution. Uschi Obermaier beherrschte in ihrer Generation diese Tanzform wie keine zweite und war nicht grundlos die Geliebte von berühmten Musikern wie Jimmy Hendrix und Mick Jagger und Keith Richards. Sie vermochte die musikalischen Lockrufe dieser Herren körperlich hemmungslos umzusetzen. Das war eines ihrer Geheimnisse.

Zum Buch: Zweihundert Jahre ist es erst her seit sich Paare aus der Formation von Gruppentänzen wie Quadrille oder Contredanse lösten und allein auf die Tanzfläche traten und zwar umgeben von anderen Paaren. Alle, - so die Sicht der Autorin und auch meine-, wollten die Welt um sie herum für ein paar kurze Momente vergessen. Teibler ist der Meinung, dass das Solotanzen keine Liebesgeschichte zu erzählen vermag, die klassischen Paartänze, nicht zuletzt der Tango, hingegen durchaus. Die Geschichte des Tanzens sei immer eine Geschichte der Sehnsucht und zwar nach Schwerelosigkeit, Selbstvergessenheit, Glück, (vgl.: S.9). Genauso ist es. Das ungehemmte Tanzen lässt uns den inneren Raum spüren, den eigenen, den des Tanzpartners und aller die auf der Tanzfläche wirklich selbstvergessen tanzen.

Die Autorin erklärt zunächst, weshalb wir das Tanzen als Rausch empfinden. Wichtig finde ich, dass sie erwähnt, dass der ständige Wechsel von körperlichen Spannungs- und Entspannungsmomenten, ohne den kein Tanz auskommt, nicht nur die vorher aufgespannte Spannung löst, sondern vielmehr auch Anspannungszustände aus dem Alltag, (vgl.: S. 15).

Man erfährt, wann der Mensch das Tanzen erlernt hat, welche Funktionen der Tanz einst hatte und wie sich die Entwicklung vom Reigen zum Paartanz gestaltete. Noch im Mittelalter war das Tanzen primär ein Gemeinschaftserlebnis, erst in Folgezeiten veränderte sich dies. Bis der Tanz sogar als Sportevent anerkannt wurde, mussten freilich einige Jahrhunderte vergehen.

Übrigens war die Provence die Wiege der Tanzkultur, hierzu kann man auf Seite 33 Wissenswertes in Erfahrung bringen. Die Tänze einzelner Epochen, wie das Mittelalter, die Renaissance, das Barockzeitalter etc., werden vorgestellt. Man kann sich nicht zuletzt in eine nette Anekdote um die königliche Elisabeth I. vertiefen, die im Alter von 69 Jahren im April 1602 eine Gaillarde in einer körperlichen Disposition tanzte, die offenbar die Zuschauer in ein solches Erstaunen versetzte, das man heute noch davon schreibt, (vgl.: S.35).

Man liest über den Walzer, der einst alle Regeln sprengte. Dieser Tanz erlaubte einen Körperkontakt, der zwischen Mann und Frau einst in allen anderen gesellschaftlichen Situationen undenkbar gewesen wäre. Der Walzer war der erste Tanz überhaupt, der ausschließlich in einer geschlossenen Paarhaltung getanzt wurde. Alle Welt jubelte Johann Strauß zu dessen Lebzeiten zu. Noch heute ist der Walzer der einzige Tanz mit einer über 200 jährigen Geschichte, der in den Ballsälen aller Welt auf Begeisterung stößt,(vgl. S. 44).

Man hat Gelegenheit in der Folge Aufschlussreiches über den ersten Modetanz- die Polka-, auch über Calkewalk , die "Roaring Twenties" und über die Veränderung des Kulturverständnisses aufgrund der Entwicklung des Grammophons zu lesen. An Josephine Baker wird erinnert, die den Berlinern den Charleston schenkte und auch an den Twist und seine Folgen.

Über das Erlernen von Tänzen liest man Wissenswertes, auch über Goethes Tanzstunden in Straßburg. "Tanz und Tabu" ist ein Thema. So galten der Cancan und andere Modetänze der Zwanziger Jahre als Tabubruch und gezielte Provokation der bürgerlichen Moral,(siehe: "Die anstößigen Tänze der Zwanziger Jahre").

Ein großes Lob für den Beitrag "Tanzporträt. Tango " im Kapitel "Tanz und Konvention" und dessen spezielles Augenmerk auf das "Bandoneon", das beim Urtango noch keine Rolle spielte. Eine Passage aus dem brillant geschriebenen Roman "Der Tangotänzer" von Eloy Martinez kann man auf den Seiten 82-83 nachlesen, bevor man sich ausgiebig mit dem Kapitel "Tanz und Kommunikation" beschäftigen kann. Ja, es stimmt, ein Tanz sagt mehr als tausend Worte. Weshalb dies so ist, erklärt die Autorin bestens.

Man liest von den einstigen Tanzvergnügungen an der Dorflinde hin zu den Ballsälen bis zur Disco. Ausgiebig informiert Teibler vom Ball, der immer mehr war und ist als ein Fest mit Musik und Tanz, auch der Wiener Opernball kommt zur Sprache und die Zeichensprache, die man kennen musste, um einen Handschuh- oder auch Fächer-Flirt auszuüben.

Über Tanz und Erotik schreibt Teibler einen aufschlussreichen Beitrag, der sich im Resümee mit dem deckt, was auch ich meine: die Entwicklung der Erotik beim Tanz geht mit dem Wandel der allgemeinen Sexualmoral einher, (vgl: S.108).

Sehr gut ist übrigens das Tanzporträt "Rumba", ein Tanz, den ich seit meinem Tanzunterricht, der mir im zarten Alter von 15 widerfuhr, nicht mehr getanzt habe, im Gegensatz zu den anderen lateinamerikanischen Tänze wie Samba, Paso doble und Tango, über die im Buch ebenfalls berichtet wird.

Zum Schluss kann man noch Vieles über ein Ballkleid lesen. Hier auch ist eine kleine Abbildung eines Werkes von Franz Xaver Winterhalter zu sehen, das die Kaiserin Eugenie und ihre Hofdamen zeigt. Ein Bild, das wie kaum ein anderes den Traum eines Ballkleides visualisiert. Der Ballsaal wird auch zum Thema gemacht und auch die Traumtänzer Rudolph Valentino, Fred Astaire und John Travolta geraten als Krönung von allem in den Fokus.

Die informativen Texte werden von unzähligen schönen Bildern begleitet, die ich mir bei unterschiedlicher Musik (je nach Stimmungslage) immer wieder gerne betrachte.

Empfehlenswert.

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Rezension: EarBook Malacarne- Leben mit der Mafia

2010-12-13T22:33:00.004+01:00

Sangu chiama sangu- Blut verlangt nach Blut

"Du kamst in diese Gegend um Gesetz zu diktieren/ Dies ist ein Ort, an dem ehrenwerte Menschen leben/Wo Ehre und Gesetz die Ehre regieren/Und wo Verrat nicht vergeben wird/ Du warst kein Verbrecher, sondern ein Verräter/ Du warst nicht Camorrist, sondern ein Feigling/ Du wolltest das Blut von armen Unschuldigen/ Hier hast Du gemordet ohne Gnade// Aber Blut verlangt nach Blut/ Und von nun an bist Du ohne Wert/ Das Leben eines Unschuldigen!/ Jetzt wirst Du dafür bezahlen/ Das Leben eines Unschuldigen!/ Jetzt wirst Du dafür bezahlen/ Bereite Dich darauf vor zu sterben, den es ist so weit/ Mein Blut ruft nach Rache/ Deine Hand ist eine verdorbene Hand/ Durch mich wird Deine Hand nicht mehr schießen// Blut verlangt nach Blut/ Und von nun an bist Du ohne Wert/ Das leben eines Unschuldigen!/ Jetzt wirst Du dafür bezahlen/ Und für das Blut an Deinen Händen/ Wirst Du bezahlen für die Schande/ Wirst Du bezahlen für die Schande." (Seite 145. Der Text ist in italienischer und deutscher Sprache abgedruckt).

Ganz schön archaisch, nicht wahr? Das ist ein Lied der sizilianischen Mafia. Auf den beiden CDs im EarBook sind 35 solcher folkloristisch anmutenden Lieder zu hören. Die Musik ist sehr melodisch. Man kann sie zur Entspannung beim Lesen hören, allerdings nur dann, wenn man der italienischen Sprache nicht mächtig ist.

In meinen Amazonprofil habe ich nicht grundlos ein Zitat Mahatma Ghandis stehen: "Auge um Auge führt nur zur Erblindung der ganzen Welt." Im Buch erlebe ich das Gegenteil dieses Gedankens und darf mich davon überzeugen, dass er außer zu verbrannter Erde und unsäglichem Leid zu nichts führt.

Während ich mich mit den Texten der 35 Lieder näher befasse- alle sind zu Ende des EarBooks abgedruckt-, wird mir das krankhafte Denken archaischer Männergesellschaften mal wieder bewusst. Das Buch enthält viele preisgekrönte Bilder des Fotografen Alberto Giuliani. Er gehörte 2008 zu den Finalisten des "W. Eugene Smith Grant" für humanistische Fotografie. Dem Klappentext ist zu entnehmen, dass sich Alberto Giuliani mit dem Projekt " Married to the Mob" befasst. Beherrschendes Thema ist in diesem Zusammenhang die Mafia.

Im Buch werden die Strukturen der Mafia aufgezeigt, zeitgleich ist es eine kulturelle Reise in die Landstriche Italiens, die die Mafia geprägt hat, so die Autoren. Die erschütternden Texte sind von Roberto Saviano, Francesco La Licata, Pino Corrias, Antonio Gratteri, Andrea Amato und Rita Borsellino. Ein abgelicheter Videostreifen zeigt eine klassische Hinrichtung der Camorra. Ziel ist es durch ein solches Video die Bewohner eines Viertel zur Zusammenarbeit zu bewegen. Es folgen Bilder über Bilder, die den Betrachter entsetzen und die so gar nicht zu den einschmeichelnden Stimmen auf den CDs passen wollen.

Auf Seite 55 lese ich, dass es äußerst heikel sei, in einem solch verbrecherischen Land eine Frau zu sein, denn dort gelten "vertrackte Regeln, eherne Bräuche, unlösbare Bande." Dort, wo die Mafia herrscht, sind Frauen einem starren, unverbrüchlichen Verhaltenskodex unterworfen. Dieser nötigt sie zu einem riskanten Balanceakt zwischen Fortschrittlichkeit und Tradition, zwischen moralischen Zwängen und grenzenloser Kaltschnäuzigkeit in Geschäftsdingen. Frauen dürfen Mordaufträge erteilen, jedoch nicht fremdgehen oder gar ihren Mann verlassen. Sie haben die Möglichkeiten in unterschiedliche Branchen zu investieren, sollen sich aber nicht schminken, sofern ihr Mann hinter Gittern sitzt. Man glaubt, dass Frauen, die sich die Haare färben, per se untreu sind. Ferner ist man davon überzeugt, dass eine Frau ohne Mann ein lebloses Ding sei, (vgl: S.55).

Üblich ist, dass Männer das Mädchen heiraten, das sie seit ihrer Kindheit kennen, allerdings dürfen Männer Gespielinnen haben. Mafiosi lehnen Oralverkehr bei Frauen ab, weil sie sich auf diese Weise "hündisch" fühlen. Umgekehrt allerdings ist der Oralverkehr in Ordnung. Sex soll männlich sein. Ohne Küsse. Die Männer sind in den Clans geradezu besessen von ihrer Männlichkeit. Die Kontrolle im Geschlechtsleben spielt eine zentrale Rolle bei diesen archaischen Männern, deren Denken und Handeln ausgerichtet ist auf Hierarchie, Macht, Herrschaft über Leben und Tod, die auf Töten und Getötetwerden basiert und wehe dem, der meint, sich darüber hinwegsetzen zu können, (v gl.: S. 56).

Die`Ndrangheta ist die gefährlichste der Mafia-Organisationen. Sie ist die einzige echte Mafia, die global aufgestellt ist. Die Infos von Nicola Gratteri dazu von Seite 98- 101 sind sehr lesenswert.

Dies ist eine Welt, die ich nicht verstehe, umso mehr bin ich irritiert, dass mir die Musik gefällt, die ja die Seelen dieser Menschen spiegelt.

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Rezension: Ear Book- Stevie Wonder

2010-09-27T11:36:00.002+02:00

Dieses earBook enthält 4 CDs mit wundervollen Songs eines der einflussreichsten Songwriter, Live-Künstler und Multiinstrumentalisten aller Zeiten: Stevie Wonder. Es erübrigt sich die Songs an dieser Stelle alle aufzulisten, da Amazon diesbezüglich bereits fleißig war. Wer Songs von Wonder kennt, stellt sogleich fest, dass in diesem Vierer-Set von der Debutsingle Fingertips Parts 1 und 2 über die bemerkenswerten Hits der 60er und den Höhepunkten seiner klassischen Alben in den 70ern bis hin zu den exzellenten Balladen der 80er und 90er Jahre alles dabei ist. Die CDs sind von bester Klangqualität.

Das Buch beinhaltet ferner eine kurze Beschreibung der Lebensgeschichte des von Kind an blinden Künstlers in englischer Sprache, die aufgelisteten Songs der vier CDs, mit Angaben darüber wer die Stücke produziert hat und welchen Alben die Songs zuzuordnen sind. Des Weiteren wird mit einer umfangreichen Discography aufgewartet. Schwerpunkt des Buches allerdings sind Fotos vom Künstler, die seinen Erfolg über Jahrzehnte hinweg dokumentieren.

Der 1950 geborene Musiker wurde 1961 von Ronnie White von " The Miracles" entdeckt, wie es dann weiterging wird spannend auf den ersten Seiten des Buches erzählt.

Die Fotos aus den 60er Jahren zeigen Wonder als einen sehr fröhlichen Menschen, dessen vergnügtes Wesen durch seine schöne Stimme für alle auf den CDs wahrnehmbar ist und für gute Laune sorgt. Der sich für Bürgerrechte und Gleichberechtigung engagierende Sänger erhielt 1984 für den Song "I just called to say I love you" einen Oscar, den er Nelson Mandela widmete. 1999 bekam er den inoffiziellen "Nobelpreis für Musik", den "Polar Musik Prize" und erhielt gemeinsam mit Tony Bennnett den "Grammy Award" für die beste Zusammenarbeit mit Gesang-Pop für den gemeinsamen Song "For once in my life". Das positive Lebensgefühl, dass die meisten seiner Songs transportieren, veranlasst dazu, die CDs stets aufs Neue zu hören und sich nicht nur in die Stimme, sondern auch die Musik dieses Pop- und Soul-Sängers zu vertiefen, der am 25.2.2009 durch den amerikanischen Präsidenten Barack Obama den "Gershwin-Preis" verliehen bekam.

Rezension:Prag - Fotobildband inkl. 4 Musik-CDs (earBOOK) (Audio CD)

2010-09-22T10:53:00.005+02:00

Das earBook "Prag" enthält vier CDs von bester Qualität mit Klängen von Smetana, Dvorak, Janacek und Mozart. Smetanas Zyklus symphonischer Dichtungen "Mein Vaterland" wird vom Gewandhausorchester Leipzig vorgetragen. Dirigent ist Vàclav Neumann.

Die " Symphonie Nr. 9 e- Moll op 95", auch die "Slawischen Tänze" von Dvorak und die anderen Stücke von Smetana, Dvorak und Janacek werden ebenfalls vom Gewandhausorchester unter Leitung V. Neumanns gespielt. Mozarts Stücke tragen die Staatskapelle Dresden und Berlin unter der Leitung von Otmar Suitner und Herbert Blomstedt vor.

Das Buch enthält eine Fülle wunderbarer Fotos von Prag. Die ausgewählten Klänge sollen beim Betrachten der Bilder die Eindrücke verstärken.

Smetana war der Begründer der neuzeitlichen tschechischen Musik, jeder kennt seine "Moldau" und jeder verbindet diese Komposition natürlich mit Prag. Der Komponist Dvorak hat übrigens auf dem Prager Ehrenfriedhof seine letzte Ruhe gefunden. Das Finale und die Ouvertüre zu Mozarts Oper "Don Giovanni" entstanden in der "Goldenen Stadt". Die Oper wurde an diesem Ort uraufgeführt. Daraufhin bedrängte man Mozart ein wenig länger in Prag zu bleiben. Soweit der Bezug der auf den CDs zu hörenden Künstler zu Prag, einer Stadt mit vielen Gesichtern, wie der Bildband, der fast ohne begleitende Texte auskommt, deutlich macht.

Man erfreut sich des Anblicks der Prager Burg, der Karlsbrücke, der Häuser am Altstädter Ring und bewundert die Glasfenster im Veitsdom, auch eine Fassade im Hauptbahnhof, bevor der Blick bei den vielen abgelichteten Musikern verweilt. Freude an guter Musik, an Geselligkeit und Kommunikation in Restaurants, Caféhäusern sowie Bierkneipen scheinen die Prager Bürger auszuzeichnen. Diesen Eindruck suggerieren zumindest die hübschen Aufnahmen. Gefallen hat mir, dass man auch einen Mann in traditioneller jüdischer Tracht und Grabsteine auf einem alten jüdischen Friedhof fotografiert hat. Dieser Friedhof wurde Anfang des 15. Jahrhunderts eingerichtet. Der älteste bekannte Grabstein stammt aus dem Jahr 1439. Circa 12.000 Grabsteine blieben erhalten und prägen dort die Atmosphäre. Der Prager Schriftsteller Kafka wird diesen Ort der Ruhe zu seinen Lebzeiten sehr gemocht haben. Nachmittagliche Aufenthalte hier hätten zu seiner melancholischen Mentalität gepasst.

Ein gelungenes Buch.
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Rezension:Meisterwerke 1700-1800 (earBOOK inkl. 4 Musik CDs) (Gebundene Ausgabe)

2010-09-15T15:07:00.004+02:00

Wer die Musik und Malerei des 18. Jahrhunderts zu schätzen weiß, wird von diesem earBook begeistert sein. Das Buch enthält 4 CDs und eine Fülle von Ablichtungen bemerkenswerter Gemälde namhafter Künstler des 18. Jahrhunderts. Die Gemälde werden alle im Rahmen knapper Texte kurz, dabei aber zufriedenstellend in englischer und deutscher Sprache erklärt. Auf den ersten Seiten erhält man einen skizzenhaften Überblick über das Jahrhundert der Aufklärung, wobei der Schwerpunkt in diesem Fall nicht der Philosophie gilt, sondern, dem Buch gerecht werdend, auf Musik und Malerei liegt. Auch hier wird der Text zweisprachig angeboten.

Die CDs sind von perfekter Klanqualität. CD 1 enthält Stücke aus Vivaldis "4 Jahreszeiten". Über den Komponisten und besagte Stücke wird man auf den letzten Seiten näher informiert. Die Stücke von Johann David Heinchen, Francois Couperin und von Georg Philipp Telemann sind sehr gut gewählt und runden die CD 1 harmonisch ab. Die CD 2 und 3 sind primär Bach, Händel und Haydn gewidmet, aber man hat auch Gelegenheit sich eines Flötenkonzerts von Johann Joachim Quantz zu erfreuen, der einst der Flötenlehrer Friedrich II. war. CD 4 befasst sich mit Wiener Klassik, konkret mit Mozart und Haydn. Die Dresdner Philharmonie und die Staatskapelle Dresden sorgen u.a. dafür, dass die Musik zu einem wirklichen Hörgenuss wird.

Hört man die CDs, während man sich in die Bilder vertieft, findet man sich schon nach kurzer Zeit im 18. Jahrhundert wieder. Wie schön doch die Farben von Tiepolos Deckengemälde in der Würzburger Residenz sind! Unmöglich ist es, auf alle Gemälde einzugehen. Bemerkenswert natürlich ist das Gemälde "Venezianisches Galakonzert" von Francesco Guardis. Die abgebildeten Personen in ihren Rokokogewändern beginnen tatsächlich zu tanzen, wenn man Vivaldis Klänge dazu hört. Ganz wunderbar in diesem Zusammenhang ist das Gemälde Canalettos "Der Bucintoro an der Mole am Himmelfahrtstag". Man kann den Dogenpalast, San Marco, den Campanile, die Säule mit dem heiligen Theodor, den Uhrenturm, die Bibliotheca sowie die malerischen Gondeln bewundern, während durch Vivaldis Klänge das Bild zum Leben erweckt wird.

Hocherfreut bin ich, dass man Bouchers "Marquise de Pompadour" nicht vergessen hat. Allein dieses Gemäldes wegen lohnt sich ein Besuch der Alten Pinakotek in München. Rokoko pur ist freilich auch Fragonards " Die Schaukel", die durch Musik von Mozart in Bewegung gerät. Gemälde von Watteau fühlen sich besonders wohl, wenn man bei ihrem Anblick Händel hört. Wie schön, dass man an das berühmteste Gemälde von Jean Baptiste Greuz gedacht hat: "Der zerbrochene Krug", thematisiert auf sensible Art die verlorene Unschuld . Eine Reihe sehr guter Portrais lernt man anschließend kennen, u.a. Antoine Pesnes "Friedrich der Große als Kronprinz", bei dem ich mir nicht sicher bin, ob er sich bei den Klängen von Bach wirklich wohl gefühlt hätte. Sehr beeindruckend ist Jacques Louis Davids "Der Tod des Marat" und Louis - Michel van Loos "Denis Diderot", der einer der klügsten Köpfe seiner Zeit war. Einige Gemälde von Goya werden präsentiert, Fuselis "Die Nachtmahr", auch eine wirkliche Schönheit, gemalt von Gainsbourough, "Mrs. Richard Brinsley Sherdan", wird gezeigt, auch man darf sich Tischbeins "Goethe in der Campagna" und diverser Gemäldeablichtungen der Malerin Angelika Kauffmann erfreuen.

Für mich verdichtet sich das 18. Jahrhundert in der Schönheit der Pompadour, im Geist Goethes und Diderots und in den Sphärenklängen Mozarts, der wie kein anderer Musiker jenes Jahrhunderts die Seelen seiner Zuhörer erobern konnte.

Empfehlenswert.

Rezension: So Calypso!" The Soul of Trinidad

2010-09-10T00:21:00.003+02:00

Dieses earBook enthält 4 CDs mit wundervoll fröhlichen Klängen. 2 CDs sind Calypso-Melodien gewidmet. Wie man dem Klappentext entnehmen kann, kommt der Calypso aus Trinidad. Aus ihm entstand in den 1970er Jahren dann der beat-starke Soca, mit dem sich die anderen beiden CDs befassen. Mir gefallen die Calypsos aus den 20er und 30er Jahren am besten, die man auf CD1 hören kann, weil sie am ursprünglichesten sind. Auch die Socas aus den 1990 Jahren haben es in sich. Für gute Laune sorgen alle 4 CDs. Man hat Lust zu tanzen und zu feiern. Das auch scheint die Botschaft der Musik zu sein. Die Klangqualität ist überdurchschnittlich gut.

Wie man erfährt, sind die Wurzeln des Karnevals in Trinidad multikulturell. Die Hauptelemente des karibischen Karnevals stellen der Calypso, der Steelpan und das "Mas"-Spiel dar. Dies wird im earBook anhand eines nicht kommentierten Bilderreigens verdeutlicht. Ich empfehle die Musik zu hören, während Sie sich die Bilder anschauen, weil diese dann zu leben beginnen.

Viele Fotos bestechen durch ihre Buntheit, obschon als Kontrast auch immer wieder Schwarz-Weiß-Fotos eingefügt worden sind. Vern Evans hat die Menschen im Karneval aufgenommen, fröhlich feiernde Kinder, halbnackte Karibikbewohner in ihren prachtvollen Kostümen, üppige Frauen, auch schlanke Schönheiten, alle tanzend zu den Klängen des Calypsos und des Socas. Steel-Bands, sich verzückt im Tanz bewegende Menschen, immer lachend sieht man auf vielen Fotos und Kinder, deren glücklicher Gesichtsausdruck berührt. Das ist der Zauber der Musik. Sie malt bunte Bilder und lässt die Herzen heiter hüpfen.

Gönnen Sie sich die gute Laune und lauschen dem Calypso.

Sehr schön!!!!

Rezension: earBook: Callas- La Divina- La Musica

2010-09-07T16:51:00.003+02:00

Dieses earBook ist der griechischen Opernsängerin Maria Callas (1923-1977) gewidmet. Berühmt wurde sie durch ihr ungewöhnlich breit gefächertes Repertoire und die dramatische Dichte ihrer Rollengestaltung. Das earbook enthält vier CDs, die dem Zuhörer einen Überblick über das Können der Sopranisten verschaffen.

Die Klangqualität ist sehr, sehr gut und wird selbst Musikkenner erfreuen.

Callas singt Kompositionen von Giuseppe Verdi, Giochino Rossini, Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Luigi Cherubini, Amilcare Ponchielli und von Giacomo Puccini. Dirigenten wie Herbert von Karajan, die ähnlich wie die Callas Perfektionisten ihres Metiers waren, bilden in ihrer Gemeinsamkeit die Garanten für ein wunderbares Musikerlebnis.

Der Bildband verzichtet auf breitgefächerte textliche Erklärungen und beschränkt sich auf Liedzeilen aus Opern, die mit den Schwarz-Weiß-Fotos der Diva korrespondieren.

Die visuelle Darstellung ist untergliedert in:

Die Anfänge

Die Wandlung zur Primadonna
Die göttliche Diva
Die Ära Onassis
Schlussakkord

Die Callas war schon als Kind schön, anfänglich etwas zum Übergewicht neigend und sich allmählich zu einer Frau mit einem atemberaubend weiblichen Körper entpuppend, einer Frau mit sehr ausdrucksstarkem Gesicht. Ihre Augen waren Seele pur, ihre Lippen formvollendet. Zahllose Fotos von ihren Opernauftritten kann man bewundern, doch sie possiert auch in ihren Ferien, nicht zuletzt mit einem Badeanzug, so wie man ihn 1954 als modisch und chick empfand. In Abendkleidern kommt ihre Aura am besten zur Geltung. Süß, ganz mädchenhaft wirkt sie im gepunkteten Kleid mit weißem Kragen. Dieses Foto stammt aus dem Jahre 1956.

Auf einer Doppelseite erlebt man sie im Jahre 1956 im Hotel Sacher in Wien. Sie trägt einen bezaubernden Hut aus künstlichen Maiglöcken, der mit Tüll überdeckt, sie sehr geheimnisvoll erscheinen lässt. Die Hutmode von 1958 steht ihr nicht ganz so gut, weil diese von ihrem schönen Gesicht abzulenken versucht.

Glücklich war sie ganz offensichtlich 1959 mit Onnasis. Die junge Romy Schneider, auch die Monroe haben die Callas ganz augenscheinlich sehr verehrt. Grace Kelly und die Callas agierten auf gleicher Augenhöhe, dass die Callas gut 1/2 Meter größer als Osnassis war, wusste ich bislang noch nicht. Die Bilder haben es mir berichtet.

Ein Bild der Opernsängerin mit Giussepe de Stefano und Elisabeth Taylor verdeutlicht, dass diese beiden Frauen sich nicht mochten. Die Gründe kann ich nicht deuten. Mit allen anderen abgelichteten Frauen scheint die Diva keine Probleme zu haben.

Alle Fotos erklären, dass Maria Callas, eine sensible, nachdenkliche, schöne Frau war, deren zurückhaltendes Wesen gut gefällt.

Einem sehr hübschen Bild, das sie mit Onassis zeigt, die beiden steigen- ich vermute in Mexiko- eine Pyramide empor, ist folgende Textstelle aus " La Traviata" von Verdi beigegeben:

"Es ist seltsam! Sehr Seltsam!

Sollte eine ernste Liebe mein Unglück sein?
Oh Freude, die ich nie kannte, lieben und geliebt zu werden!"

Empfehlenswert.

EarBook: A Garden Rhapsody

2010-09-01T16:49:00.004+02:00

Dieses earBook besticht einerseits durch traumhafte Fotos von englischen Cottage Gärten und andererseits durch eine gelungene Auswahl klassischer englischer Musik, die als Untermalung der bildlichen Impressionen recht gut passen.

Diese CDs gefallen mir wegen ihres hübschen Blumen und Blätterdesigns auch optisch. CD1 enthält Kompositionen von Wilhelm Lawes (1602-1645) und Henry Purcell (1659-1695). Diese beiden Barockmusiker bestechen durch ihre verhaltenen, dezenten, unaufgeregten Klänge. Solche Klänge harmonieren mit der Idee der Gartenruhe. Die 2. CD enthält Songs aus dem 17 Jahrhundert, komponiert von Purcell, Morley und Dowland und die dritte Kompositionen von Elgar und Stanford, sprich von Komponisten aus dem 19. Jahrhundert. Aus dem 19. Jahrundert stammen auch die Kompositionen von Williams, Delius und Britten. "In a Summer Garden" hat mir besonders gut gefallen. Bei solch einer Musik fühlt man sich sicher sehr wohl in einem Liegestuhl und geniesst die Farben, die Formen und den Duft dieser zauberhaften Gärten.

Die Bilder zeigen Blumen und Pflanzen in einer unendlichen Fülle. Stockrosen, Sonnenblumen, Malven und andere Blumen, die bei uns nicht selten alte Bauerngärten in kleine Paradiese verwandeln. Gretel im Grünen tanzt mit rotem Mohn und Englische Rosen, auch Glyzinien zieren die Fassaden von alten Cottages. Gartennelken, deren Duft ich sehr liebe, sehe ich zu Hauf. Storchenschnabel sowie Bartnelken beleben das Grün, Fingerhüte im Hintergrund bilden den Abschluss. Der filigrane rosa Elfenspiegel bildet den Gegensatz zu einem verwitterten Steinbrunnen, während Jelängerjelieber und Kletterrosen ein altes Backsteinhaus zieren. Sehr romantisch. Wie beeindruckend die Dahlienpracht doch ist!

Rittersporn blüht in einem der Gärten, so üppig wie Mohn auf den Feldern. Selten habe ich solche Farbspiele in Blau gesehen. Diese Cottage-Gärten sind ein Traum. Viele wirken verwunschen, voller Geheimnis. Eine alte Holzbank lädt zum Verweilen ein. Fingerhüte bilden einen hübschen Rahmen. Wer hier seinen Liebsten zum ersten Mal küsst, wird es nie vergessen.

Rezension: earBook- Venezia

2010-08-27T13:20:00.004+02:00

Dieser prächtige Bildband ist das bislang schönste Venedigbuch, das ich besitze. Während man sich in die traumhaften fotografischen Impressionen vertieft, hat man Gelegenheit, sich der Musik der Stadt aufgrund der vier dem earBook beigefügten, klanglich sehr guten CDs zu erfreuen.

CD1 und C2 enthalten verschiedene Konzerte von Antonio Vivaldi. Die Klanqualität ist noch besser als die der 10er Box von Vivaldi, die ich vor einiger Zeit rezensierte und die auch schon erstaunlich gut ist. Besonders gefallen hat mir die C3, nicht zuletzte, weil ich die Musik Tomaso Albionis sehr mag. Die "Canzoni Veneziane" auf CD4 schrappen teilweise an fragwürdiger Sentimentalität vorbei, aber nicht so nah, dass sie Gefahr laufen, in Gewässer von muffiger Seichtheit abzudriften.

Zu Beginn des Fotoreigens hat man Gelegenheit ein Gedicht Lorenzo Stecchettis (1845-1916) zu lesen. Dieses Gedicht hat mir so gut gefallen, dass ich es an dieser Stelle zitieren möchte:

Du bist schön, Venedig, von Wellen umgeben,

Ruhiger Spiegel erhabener Kunstwerke!
Du bist schön, Lied der Gondoliere,
Dem vom Lido aus das Meer antwortet.

Ich liebe dich Venedig, und deine freudigen Straßen,

Die schon Zeuge waren, von unterdrückten Kaiserreichen.
Ich liebe deine Paläste, stolz und schwarz
Und deine blond bezopften Frauen.

Ich liebe euch, Tempel glänzender Schätze,

Kunstwerke und Menoiren, in denen Tiziano
Mädchen mit goldenem Haar malte.

Ich liebe euch Trophäen, dem Moslem entführt,

Aus Candia und Morea. Ich liebe und verehr Euch,
Frittierte Schollen und Wein aus Conegliano.

( Lorenzo Stecchetti , 1845-1916)

Die rund 70 Farb-Fotos bilden die morbide Schönheit der Stadt ab, die von vielen Dichtern und Schriftstellern besungen worden ist. Gezeigt werden zahlreiche Palazzi am Canal Grande, auch der Dogenpalast und der Campanile, abbröckelnde Fasaden, der Marcusplatz nach einem Regen, die pittoresken Säulen an der Fassade des Markusdoms, Gondolieri bei ihrer Arbeit, aber auch beim Plaudern mit Kollegen, immer wieder Häuserfronten und Kanäle, ein Blick auf das legendäre Cafe Florian, zu einem Zeitpunkt abgelichtet, wo die Stadt offenbar kaum Touristen beherbergt. Eine Gondel wird von innen gezeigt, auch modernde Kunst aus Murano wird thematisiert. Der Karneval wird anhand einer Maske stilisiert und die Marktbilder verdeutlichen, dass die Stadt noch lebt. Ich habe selten solch ungeschminkte Bilder von Venedig gesehen. Bei jedem Blick hat man Bedenken, dass bei längerem Hinsehen noch mehr Putz abbröckelt. Beeindruckt hat mich eine Innenaufnahme der Kirche San Giacometti mit ihren vielen Weihrauchkesseln , die an der Decke hängen, als warteten sie darauf, sich in Bewegung zu setzen und ein erneute Pestepedemie im Keim zu ersticken.

Dann gibt es da auch noch ein Bild mit dem Titel "Canale di San Marco im Regen". Dieses Motiv assoziere ich mit Thomas Manns "Tod in Venedig". Den Film zum Buch habe ich in meinem Film-Blog rezensiert.

Rezension: Camino de Santiago -EarBook

2010-08-25T22:09:00.008+02:00

Dieses EarBook wartet mit 4 CDs von bester Klangqualität, mit traumhaften Fotos vom spanischen Jakobsweg und Liedern und Sentenzen zu diesem Thema auf.

CD1 enthält "Greorianische Gesänge" aus dem 12. und 13. Jahrhundert, CD2 ist der spanischer Folkloremusik gewidmet. CD3 enthält Gitarrenstücke von Miguel Llobet (1878-1938), interpretiert von Stefano Gronona. CD 4 stellt den Original Soundtrack von "Zu Fuß nach Santigo de Compostela" vor.

Am besten gefällt mir CD3, weil sie mir am intensivsten Einblicke in die spanische Volksseele gibt, weitmehr als die Folkloremusik wie ich finde. Jede einzelne CD bringt die Fotos noch näher. Gemeinsam erscheinen sie wie ein Ruf oder eine Einladung, sich recht bald auch auf den Weg zu machen.

Zu den Bildern: meiner Kurzbeschreibung möchte ich ein Zitat Paulo Coelos vorwegschicken, dass ich im vorliegenden earBook am Rande eines der Fotos gefunden habe.

"Wenn man auf ein Ziel zugeht,
ist es äußerst wichtig, auf den Weg zu achten.
Denn der Weg lehrt uns am besten,
ans Ziel zu gelangen, und er bereichert uns,
während wir ihn zurücklegen."
(Zitat Paul Coelho, "Auf dem Jakobsweg")

Die Fotos visualisieren die Eindrücke, die Pilger auf dem "Camino de Santiago" haben. Die Tür einer Herberge ist gleich zu Beginn zu sehen. Sehr eindrucksvoll muten verschiedene Landschaftsbilder in den Pyrenäen an. Natürlich wurden auch die berühmten Pilgerskulpturen am Monte del Perdon abgelichtet.

Es sind stets vereinzelte Pilger, keine Pilgerströme, die man auf den Bildern sieht. Sie verdeutlichen, dass keine Jahrmarksatmosphäre der Spiritualität im Wege steht. Die Fotos sind einzelnen Etappen zugeordnet. Das Kreuz bei Montes de Oca hat mich besonders berüht, auch die Sentenz, die man zugeordnet hat:

"Einfachheit begünstigt spirituelle Erfahrungen, ja sie ist sogar die Voraussetzung dafür."

Die Kathedralen von Burgos, auch von Leon und Astroga sind sehr beeindruckend.
Während ich mir diese Bilder ansah, hörte ich Stücke aus "Greorianische Gesänge" und diesen lauschte ich auch beim Anblick der Kathedrale von Santiago de Compostela und dem dort schwingenden Weihrauchkessel.

Ein gelungenes earBook, dass dazu motiviert, sich auch auf den Weg zu machen.

Rezension:Meisterwerke 1600-1700 (earBOOK inkl. 4 Musik CDs) (Gebundene Ausgabe)

2010-08-19T18:28:00.004+02:00

Wer die Musik und Malerei des 17. Jahrhunderts zu schätzen weiß, wird von diesem earBook begeistert sein. Das Buch enthält 4 CDs und eine Fülle von Ablichtungen bemerkenswerter Gemälde namhafter Künstler des 17. Jahrhunderts. Die Gemälde werden alle im Rahmen knapper Texte kurz, dabei aber zufriedenstellend in englischer und deutscher Sprache erklärt.

CD1 enthält kirchliche und weltliche Musik des Vatikans und Italiens aus diesem Jahrhundert. Stücke von Monteverdi, Frescobaldi, Marcello, Scarlatti, Franceschini und Gasparini erfreuen hier das Ohr, während CD 2 französische und englische Barockmusik enthält. Purcell, Lawes, Couperin, Dowland, Marais und de Chambonnierèrs werden hier mit sehr gut gewählten Stücken vorgestellt, bevor man auf der 3. CD sich mit geistlicher deutscher Vokalmusik auseinandersetzen kann, wie etwa jener von Schütz oder Prätorius. Höhepunkte der Instrumentalmusik des 17. Jahrhunderts vernimmt man auf CD 4. Hier warten Komponisten wie Pachebel, Torelli, sogar der Landgraf von Hessen, der Entdecker und Förderer von Heinrich Schütz, mit ausgewählter Musik auf. Die CDs sind von bester Klangqualität. Die Stücke werden von namhaften Künstlern vorgetragen.

Die Gemälde spiegeln den musikalischen Geschmack des 17. Jahrhunderts. Neben einer Fülle von klerikalen Motiven, wie etwa Giordanos "Der Erzengel Michael" oder Guido Renis "Bethlehemitischer Kindsmord", auch Caravaggios "Der ungläubige Thomas", gibt es auch eine Reihe antiker Motive, nicht zuletzt das Motiv des schönen "Amor als Sieger", der mit seinem selbstbewussten Lächeln in sehr freizügiger Pose sich als Herr über alles Streben präsentiert. Beeindruckend ist das Gemälde von Peter Paul Rubens "Die Landung der Maria von Medici in Marseille". Die üppigen Nymphen auf diesem Gemälde verkörpern prachtvolles Barock pur. Eines meiner Lieblingsbilder im vorliegenden Buch stammt von Nicolas Poussin "Das Reich der Flora". Der Maler bezieht sich auf seinem Motiv auf Ovids "Metamorphosen". Zauberhafte Bilder von Jan Vermeer erfreuen in der Folge den Betrachter, auch Peter de Hooch mit seinem "Liebesboten" wird nicht vergessen, und es wird schließlich der grandiose "Große Blumenstrauß in einem Holzgefäß" von Jan Bruegel d. Ä. dem geneigten Betrachter zum Geschenk gemacht. Sehr schön.

Das 17. Jahrhundert ist das Jahrhundert, in dem der 30 Jährige Krieg stattfand, von daher glaube ich, dass kein Gemälde die Gefühle der Menschen dieses Jahrhunderts mehr darstellt als "Domenicos Melancholy". Bei den Kompositionen fällt es nicht leicht, denke ich , dass in den Stücken von Heinrich Schütz das Lebensgrundgefühl musikalischen am deutlichsten verarbeitet wurde.

Empfehlenswert.

Rezension:Jubiläums Set Vivaldi (Audio CD)

2010-08-18T11:33:00.002+02:00

Antonio Vivaldi (1678-1741) war zwar zu seinen Lebzeiten weit über Italiens Grenzen hinaus berühmt, doch geriet sein Werk nach seinem Tod fast 200 Jahre in Vergessenheit. Heutzutage hat der "rothaaarige Priester" die gebührende Anerkennung wiedererlangt und gilt als einer der bedeutensten Komponisten des Hochbarock. Bereits als Kind erhielt Antonio Geigenuntericht von seinem Vater und während der Priesterausbildung nahm er gelegentlich dessen Stelle im Orchester ein.

Im Venedig jener Zeit war es nicht außergewöhnlich, wenn ein Priester seinen musikalischen Neigungen nachging. Vivaldi stellte allerdings in anderer Hinsicht eine Ausnahme dar, als er schon bald nach seiner Weihe zum Priester aus gesundheitlichen Gründen aufhörte, Messen zu lesen und Abbe ohne seelsorgerische Pflichten wurde.

Im September 1703 wurde Vivaldi an einer recht ungewöhnlichen venezianischen Institution, dem "Seminario dell Ospitale della Pieta" als "Maestro di Violon" engagiert. Die jungen Mädchen, denen man dort ein Zuhause gab, erhielten auf Kosten der Stadt eine Ausbildung und lebten in der Regel zurückgezogen. Einige legten ein Gelübde als Nonne ab und führten innerhalb der Anstalt ein klosterähnliches Leben.
Für seine Schülerinnen in der Pieta schrieb Vivaldi einige seiner schönsten Stücke.

Bald darauf veröffentlichte er Kompositionen. Als das Opus 2 im Jahre 1708/09 erschien, arbeite Vivaldi bereits an Konzerten für verschiedene Instrumente, die von den jungen Frauen der Pieta vorgetragen wurden. Er schrieb Violinenkonzerte, die er auch selbst aufführte und Konzerte für andere Instrumente. Diese Konzerte fanden nicht nur in den Galerien der Anstalt statt, sondern auch in Kirchen, so sie bisweilen an die Stelle der herkömmlichen Gottesmusik traten; das virtouse Spiel des Meisters nahm dabei stets einen breiten Raum ein. Vivaldis Ruf drang in den Folgejahren weit über die Grenzen seiner Heimatstadt Venedig hinaus und es folgten eine Fülle von Werken und damit verbundenen Reisen. Seine letzte Station war Wien, dort starb der Komponist am 28. Juli 1741.

Seine vier Violinenkonzerte, genannt "Vier Jahreszeiten" sind Meisterwerke der Programmmusik und geben auf außergewöhnliche Weise Stimmungen und Farben der wechselnden Jahreszeiten wieder. Vivaldis "Frühlings"-Konzert beginnt lebhaft und strahlend. Im "Winter"-Konzert hingegen zeichnet der Musiker eine schneebedeckte Landschaft und krachende, brechende Eisschollen. Gleichwohl gönnt Vivaldi dem Zuhörer im "Winter"-Konzert eine Erholungsphase von der beißenden Kälte. Der Anfang steht im langsamem gedrückten Tempo und vermittelt beinahe behagliche Wärme.

Das von mir besonders geschätzte zwölfsätzige Gloria (hier auf der CD von wunderbarer Klangqualität) ist eines seiner bekanntesten Chorwerke und zeigt eine große Begabung in der Verwendung der menschlichen Stimme und ein besonderes Gespür für die Vertonung des Textes.

In seinen Konzerten dominiert seine brillante Behandlung der Violine in schnellen Sätzen, während die langsamen Sätze stark lyrische Akzente setzen. Das elfte Konzert enthält eine makellos gearbeite Fuge.

Die vorliegenden 10 CDs enthalten wahrlich prachtvolle und exquisite Melodien.

Vivaldi hat so viele Stücke geschrieben (ca. 500), dass man ihm später oft vorwarf, er habe 500 mal das selbe Stück geschrieben. Hier werden die selbsternannten Kritiker aber sehr ungerecht. Der Musikgeschmack jener Tage verlangte in jeder Saison etwas Neues. Das Neue sollte aber nicht zusehr vom Bekannten abweichen. Diesem Wunsch entsprach der große Meister. Hören Sie sein "Gloria" und Sie werden sich in diese Komposition spontan verlieben . Überirdisch schön ist sie.

Rezension:Vicchie Letrose (italienische Renaissance (Audio CD)

2010-08-17T23:46:00.003+02:00

Während ich im Hintergrund diese wunderschönen Lieder aus der italienischen Renaissance höre, schaue ich mir schon eine Weile lang- völlig fasziniert- eine Fotographie von Michelangelo Buonarottis Kunstwerk "David" an.

Das Hochrenaissance-Genie Michelangelo (1474-1564) lebte zu der Zeit in Florenz als die auf der CD zu hörenden Musik komponiert und die lyrischen Liedertexte verfasst wurden. Vielleicht hat den Meister genau diese Musik dazu inspiriert- den bestaussehensten Mann aller Zeiten in Mamor zu meißeln. David ist das Ideal eines wohlgestalteten Adams, eindeutig. Einfach überirdisch schön.

Wieviele Frauen mögen im Laufe der Jahrhunderte versucht haben Liebe lächelnd Leben in diese Mamorgestalt zu fächeln. Bislang ist es keiner einzigen gelungen, vielleicht hätte Schillers Laura es vermocht....

So blieb die Sehnsucht .....

Michelangelo thematisiert diese Sehnsucht in einem Sonett:

Könnt ich die Sehnsucht

Könnt ich die Sehnsucht , die das Denken reinigt,

Weil sie das Ewige erstrebt, verkünden!
Voll Mitleid müsste es mir den verbünden,
Der in der Liebe Reich mich grausam peinigt

Doch weil die Seele nach des Himmels Weise

Unsterblich lebt, indes der Leib muss schwinden
Kann Sinnlichkeit allein nie Worte finden
Darin, was sie nicht fasst, sich ganz erweise

Wie konnte der darum ein reines Sehnen

Begreifen, das ein liebend Herz durchdrang
Der nur sein eignes Selbst im andern sieht?
Mit ihm den ganzen Tag in Freude auszudehnen,
Versagt der Freund, weil Lüge ihn bezwang

Selbst Lügner wird, wer vor der Wahrheit flieht.

....und so lässt " L`Amor Donna, Ch`Io Te Porte"... eine Epoche wiederauferstehen, die der Nachwelt David und viele andere Schönheiten geschenkt hat.

Rezenion:Palermo - Fotobildband inkl. 4 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-08-16T15:02:00.005+02:00

Soeben höre ich die Filmmusik zu Luchino Viscontis "Der Leopard", zu dem ich vor einiger Zeit folgende Rezension Der Leopard (Langfassung) - SZ-Cinemathek verfasste. Die Musik entstammt der CD 2 des earBooks "Palermo".

Von den 4 CDs, die diesem Buch begelegt sind und die die Fotos von der Stadt atmosphärisch aufladen sollen, gefällt mir diese am besten. Natürlich beeindruckt auch die Stimme der Callas auf CD1, auf der man die Oper "Cavalleria Rusticana" hören kann. CD3 und CD4 enthalten sizilianische Folklore und unterschiedliche Tarrantellaarten, die mit den im Buch u.a. abgelichteten Wohnvierteln der armen Bevölkerungsschicht verbunden sind. Alle CDs sind von bester Klangqualität.

In diesem earBook wird fast gänzlich auf Text verzichtet. Es gibt die 4 CDs und viele imposante Fotos von der Hauptstadt Siziliens. Während man die wundervolle Musik, auch die Lieder der CDs hört, beginnen die Bilder zu leben. Beeindruckend ist der Panoramablick über die Altstadt, auch jener über den Hafen. Ein wenig morbid muten viele Ecken dieser uralten Stadt an, die seit Ewigkeiten Mafiahochburg ist, aber sich allmählich dieses Stigmas entledigt.

Man wandert mit den Augen über Märkte, hin zu alten Kirchen, erhält einen Eindruck von den Menschen, die in dieser Stadt leben, geht durch die engen Gassen, wie es das Stauferkind Friedrich bereits voller Neugierde tat, ist begeistert von den vielen Zitrusfrüchten, denkt dabei an den Leoparden und wird immer wieder mit romantischer Morbidität konfrontiert, deren Flair allerdings nichts gemein hat mit der Morbidität Havannas. Man weiß, hier lassen bloß die Außenfassaden zu wünschen übrig. Im Inneren der Häuser erstrahlt unverkennbar der Glanz des Leopards....

Ein schönes Buch.

Rezension:Greatest Hits (Audio CD)

2010-08-15T22:57:00.005+02:00

Die beiden Schulfreunde Paul Simon und Art Garfunkel gelten als das wohl bekannteste amerikanische Folk-Duo. Ihre Musik, so auch die Songs auf vorliegender CD, besteht aus lyrischen Liedern, flotten Popstücken und purer Folklore. 1964 nahm das Gesangs-Duo ihre erste LP auf und gelangte 1965 mit "Sound of Silence" auf Platz eins.

Die Folgealben erbrachten Millionenumsätze, viele Songs wurden in den späten 70ern auf Partys zu frühmorgendlicher Stunde gespielt, nicht zuletzt weil sie sich in romantische Stimmungen vortrefflich einfügten oder diese sogar förderten. Der Song "Mrs. Robinson" war übrigens der Soundtrack zum Film "Reifeprüfung". Allein 9 Millionen verkaufte Exemplare konnte "Bridge over troubled Water" verzeichnen. Ende 1970 trennten sich Simon und Garfunkel. Hin und wieder nahmen sie allerdings noch gemeinsame Stücke auf und gaben gemeinsame Konzerte, so etwa 1981 das ledendäre Benefizkonzert im Central Park in New York. Über eine halbe Million Zuschauer lauschten damals den leisen Klängen dieser beiden Musiker.1990 wurden Simon und Garfunkel in der Hall auf Fame des Rock `n`Roll aufgenommen. 2003 erhielten sie den grammy für ihr Lebenswerk.

"El Condor Pasa", "I`m a Rock" und "The Boxer" kann man jetzt wieder mit Vergnügen hören.Es gab Zeiten, da versuchten die Radiosender diese Stücke totzuspielen. Wunderschön sind die weniger populären Lieder ,,,wie etwa "Boookend" oder auch "Kathis Song". "Sound of Silence", "Bridge over troubled Water" und "Scabourough Fair/Canticle" (die wohl melodischste Version eines alten englischen Volksliedes) kann man schon heute als Evergreens bezeichnen.

Die Klangqualität ist zumindest auf meinem CD-Player o.k. Eine Mitrezensentin, die diese CD ebenfalls besitzt, bestätigte meine Wahrnehmung. Die Songs sind gut ausgewählt.

Keine Panik, man wird Sie nicht als Oldie outen , wenn Sie sich dazu bekennen, dass diese Songs emotional bewegen.

Empfehlenswert.

Rezension:Händel-Ein Biografischer Bilderbogen...Fotobildband inkl.4 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-08-14T23:49:00.002+02:00

Georg Friedrich Händel (1685-1759) war einer der großen Komponisten des Barock. Im vorliegenden earBook wird textlich ausführlich auf dessen Leben und Schaffen eingegangen. Händel wurde in Halle geboren. Gleich zu Beginn des Buches wird man - das hat mir sehr gefallen - auch mit der Geschichte der Stadt vertraut gemacht. Händel war zunächst als Geiger in Hamburg, zwischen 1707-10 in Italien, anschließend als Hofkapellmeister in Hannover und seit 1712 meist in London tätig, wo er 1713 Hofkomponist wurde.

1727 erhielt er die englische Staatsbürgerschaft. In seiner zweiten Heimat schuf er eine Fülle hervorragender vokaler und instrumentaler Werke. Von London fühlte sich Händel schon immer angezogen, einer Stadt, deren Menschen voller Lebensfreude waren. 1719 gründete er in London die "Royal Academy of Musik" das königlische Opernhaus, das sich 1728 wegen wirtschaftlicher Misserfolge wieder auflösen musste. Der große Musiker führte in der Instrumentalmusik den italienischen Sonaten- und Konzertstil, auf musikdramatischem Gebiet die italienische Barockoper und das Oratorium zur Vollendung und verschafften ihm als ersten deutschen Musiker Weltruhm.

Die ausführlichen biographischen Erläuterungen im Buch sind in englischer und deutscher Sprache abgedruckt. Bildliche Dokumentationen, darunter Porträtablichtungen von Händel und Persönlichkeiten, die ihm während seiner Lebenszeit begegnet sind, aber auch Stadtansichten aus jenen Tagen, vervollständigen den Eindruck vom Leben dieses Künstlers.

Dieses earBook enthält 4 CDs von bester Klangqualität. C1 gibt Händels "Wassermusik" und die "Feuerwehrmusik" wieder, gespielt vom Rundfunk- Sinfonie-Orchester Berlin unter Leitung von Helmut Koch. Dazu sollte erwähnt werden, dass Freiluftfeste unter Europas Adeligen damals große Mode waren und Händels diesbezügliche Werke damals bereits viel Beifall ernteten. CD2 enthält Highlights aus dem "Messias Oratorium". Händel gründete seinen faszinierenden und prächtigen Messias auf die dramatische Geschichte von Jesus Christus, wie sie die Bibel überliefert hat- eine außergewöhnliche Herausforderung, die der Komponist hier angenommen und souverän gelöst hat, wie man den Highlights sehr gut entnehmen kann. CD3 beinhaltet Lynne Dawsons persönliche Händel Collection. Hier hat mich "Terpiscore" sehr angesprochen. CD4 ist der Orgel-und Kammermusikmusik Händels gewidmet. Besonders an diesen Klängen kann man erkennen wie unorthodox dieser Komponist war, auf welche praktische und phantasievolle Weise er die musikalischen und beruflichen Herausforderungen löste. Ganz wundervoll.

Rezension:Meisterwerke 1800-1900 (earBOOK inkl. 4 Musik CDs) (Gebundene Ausgabe)

2010-08-12T22:51:00.002+02:00

Das earBook "Meisterwerke 1800-1900" möchte einen Überblick über die Kunst und Musik des 19. Jahrhunderts verschaffen. Dabei wird allerdings kein Anspruch auf allumfassende Informationen erhoben. Auf den Eingangsseiten wird in englischer, französischer und deutscher Sprache über die Malerei und Musik des fokussierten Jahrhunderts kurz informiert. Dann werden die Bilder gezeigt, die jeweils in wenigen Worten näher beschrieben sind.

Gleich zu Beginn lernt man einige Bilder kennen, die Napoleon zeigen. Zu diesen Bildern zählt auch "Die Krönung Napoleons und der Kaiserin Josefine am 2. Dezember 1804", von Jaques Louis David. Erfreulich, dass man als Zeitzeugnis auch das vom gleichen Maler geschaffene Kunstwerk "Madame Récamier" Kunstreproduktion: Jacques-Louis David, Madame Récamier, 99 x 71 gewählt hat. Récamier galt in den Tagen Napoleons als Inbegriff der Eleganz in Frankreich. Sehr berührt hat mich die Abbildung eines Gemäldes, das ich bislang nicht kannte: Jean-Léon Gérome: "Die Hinrichtung des Marschalls Ney", ein trauriges Bild, das die Macht des Staates visualisiert. Voller Laszivität und Fröhlichkeit mutet hingegen Ingres "Türkisches Bad" Leinwandbild: Jean-Auguste-Dominique Ingres, Das türk, 70 x 71 - Leinwand auf Keilrahmen: Aufspannen an, das man übrigens im Original im Louvre besichtigen kann.

Eugène Delacroixs Kunstreproduktion: Eugène Delacroix, Die Freiheit führt das Volk, 58 x 71 zeigt die barbusige Libertas, die Personifizierung der Freiheit. Die schwingt die Trikolore wie eine Fackel. Sehr schön sind die vier Ballettbilder von Degas, die ich letztes Jahr im Original im Orsay-Museum in Paris bewundern durfte. Goyas "Die Erschießung der Aufständischen" von 1814 ist ein Zeit Zeugnis der Napoleonischen Ära. In dieser Zeit entstanden aber auch einige der romantische Landschaftsmalereien von Caspar David Friedrich. Sieben Gemäldeablichtungen von ihm lernt man kennen, darunter auch mein Lieblingsbild des Künstlers:"Das Eismeer (Die gescheiterte Hoffnung)" Kunstdruck von Caspar David Friedrich - Eismeer (lackiert) - 90x90cm.Dieses Gemälde entstand allerdings in nachnapoleonischer Zeit. Inmitten eines Gebirges aus Eisschollen kentert ein Schiff. Gedeutet wird das Gemälde als die gescheiterten Hoffnungen auf Bürgerfreiheiten und liberale Reformen in Deutschland. Den Gemälden von Schinkel, Blechen und Dahl folgen das für die Romantik wichtige Bild von Moritz von Schwindt "Im Walde"( Des Knaben Wunderhorn) und Spitzwegs "Der arme Poet" Kunstdruck / Poster: Carl Spitzweg, Der arme Poet, 60 x 48.

Adolph von Menzels "Eisenwalzwerk" thematisiert die Frühindustrialisierung und William Turner wagt sich als erster eine Eisenbahn in der Kunst darzustellen" Regen, Dampf und Geschwindigkeit". Gemälde von Cezanne lernt man kennen, u.a. " Mont Sainte -Victoire, vom Bellevue aus gesehen". Cezanne wollte die traditionelle Vorstellung vom geometrischen Raum überwinden. Da Bild verdeutlicht, wie es ihm gelang, die Gesetze der Luftperspektive und die Unterschiede von Nah und Fern, Licht und Schatten zu ignorieren.Manet wird nicht vergessen, Monet und Renoir natürlich auch nicht. Renoirs "Moulin de la Galette" besticht durch kunstvoll gesetzte Lichtreflexe. Diese erzeugen eine Bewegung voller Leben und Atmosphäre.

Gauguins "Frauen auf Tahiti" Kunstdruck "Frauen von Tahiti" von Paul Gauguin auf Aquarellpapier reflektieren die Begegnung mit einem fremden künstlerischen Milieu. Vincents van Goghs "Mandelblüten" Vincent Van Gogh - Mandelblüte, Saint Rémy 1890 Poster (91 x 61cm), die ich als Kunstdruck lange bei mir im Büro hängen hatte, machen deutlich, wie er eine Jahrhunderte alte europäische Maltradition überwandt, nach der das Gemälde ein "Fenster" in einem perspektivisch konstruierten Raum darstellen müsse. Neben den genannten sind noch viele weitere Gemälde abgelichtet, die den Zeitgeist des 19.Jahrhunderts exemplarisch wiederzugeben versuchen.

Die Musik auf den 4 beigefügten CDs vervollständigt das Bild des Zeitgeistes. Die Werke auf den CDs werden alle kurz erklärt. CD1 1 enthält Kompositionen von Beethoven und Schubert, CD 2 enthält Kompositionen der Deutschen Romantik von Felix Mendelsohn Bartholdy , Robert Schumann, Johannes Brahms und Anton Bruckner, CD 3 enthält Stücke aus der Opernwelt von Carl Maria von Weber, Albert Lorzing, Gaetano Donizetti, Vincenzo Bellini, Richard Wagner, Giuseppe Verdi, Georges Bizet, Peter Tschaikowsky und Giacomo Puccini, CD 4 schließlich enthält Kompositionen der Nationalen Schulen von Chopin, Smetana, Dvorak, Tschaikowsky, Mussorgsky, Grieg, Debussy und Saint-Saens. Interpreten sind u.a. Peter Schreier, die Staatskappelle Berlin und Dresden, auch das Gewandhausorchester Leipzig. Mich hat die Klangqualität, die Interpretation und die Auswahl mehr als nur zufrieden gestellt.

Ein gelungenes Buch, das ich gerne empfehle.

Rezension:(Giuseppe Pino) Sax (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-08-11T23:50:00.004+02:00

Dieses earBook trägt den Namen Sax. Antoine Sax (1814-1894) war ein belgischer Instrumentenbauer. Akustische Studien führten ihn einst zur Konstruktion des Saxophons. Ab 1842 hatte er eine eigene Werkstatt in Paris. Das von ihm entwickelte Blasinstrument mit weiter konstruktuierter Schallröhre und einem Klarinettenmundstück mit einfachem Rohrblatt, ordnet man durch die Art der Tonerzeugung den Holzbloßinstrumenten zu.

Heute wird das Saxophon in acht Größen gebaut, vom Sopranino in Es oder F bis zum Subkontrabass in B. Sopranino und Sopransaxophon haben eine gerade Form, bei allen weiteren Saxophone ( Alt, Tenor, Bariton, Bass, Kontrabass, Subkontrabass) ist ein Schallstück aufwärts gebogen. Der Klang ist horn- bis klarinettenartig. Eine besondere Rolle spielt das Saxophon seit 1920 in der Jazzmusik. Dies wird durch das vorliegende Buch und die vier darin enthaltenen CDs bestens dokumentiert. Das Saxophon ist wie Philipp Carles schreibt "so flexibel, das es wahrscheinlich wie kein anderes Instrument- die Stimme und Persönlichkeit des Interpreten erweitern und reflektieren kann."

Der Fotograf Giuseppe Pino hat die bekanntesten Saxophonisten des Jazz durch seine Aufnahmen porträtiert und huldigt auf diese Weise Antoine Sax, dem Saxophon und dem atemberaubenden Jazz, den diese zu spielen vermögen. Fotos von Dexter Gordon, Charles Lloyd, Coleman Hawkins, Dave Brubeck, Buddy Tate, George Adams, King Curtis, Johnny Griffin, Joe Henderson, aber auch von Klaus Doldinger und anderen mehr deuten an, dass das Saxophon mehr ist als nur ein Instrument. Es vermag eindeutig das, was die Augen zum Ausdruck bringen klanglich wiedergeben. Saxophonmusik ist Seele pur.

Der Jazz bildete sich übrigens aus Elementen afroamerikanischer Volksmusik und europäisch-amerikanischer Marsch-Tanz- und Populärmusik. Charakteristisch ist die Improvisation, eine Kombination von spontaner Erfindung und Reproduktion erlernter Formeln. Die Musiker haben die Chance innerhalb einer vorgegeben Form, die sie an Tonart, Grundrhythmus und Harmonielauf bindet, gemeinsam oder solistisch Melodie und Rhythmus zu gestalten. Die innere Spannung des Jazz-Rhythmus entsteht durch die Überlagerung verschiedener Rhythmen über einem festgelegten Grundrhythmus. Durch die Verwendung von kleinen Terzen, verminderten Quinten und kleinen Septimen ist die Jazz-Melodik vorzugsweise durch die Dur-Tonarten charakterisiert.

Mittels der vier dem Bildband beigefügten CDs von hervorragender Klangqualität kann man in das Können solch großartiger Jazz-Musiker wie Coleman Hawkins, Benny Carter, Paul Desmond, Oliver Nelson, Dexter Gordon , Johnny Griffin und vielen anderen mehr vertiefen. Ich selbst mag Dexter Gordon besonders. Sein Klang sei voluminös und geschmeidig mit einer Tendenz leicht "zurück" schreibt Wikipedia. Genau diese Gegebenheit erzeugt meines Erachtens den Spannungungsbogen, der seine Musik ungemein erotisch erscheinen lässt.

Rezension:Che (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-08-10T21:35:00.002+02:00

Dieses earBook enthält vier CDs, die im Zusammenhang mit dem Leben des lateinamerikanischen Freiheitskämpfers Che Guevara stehen. CD 1 beinhaltet argentinische Tangos. (Ich besitze ein Dutzend CDs mit Tango-Musik. Diese CD ist mit Abstand die beste, sowohl, was die Auswahl der Interpreten anbelangt- auch Piazolla ist dabei- als auch die Klangqualität betreffend.) Das Bandoneon habe ich selten auf einer CD in dieser authentischen Weise vernommen. Erstaunlich. Auf der CD 2 sind kubanische Volks- und Revolutionslieder zu hören, auch das Che gewidmete "Hasta siempre comandante". C3 enthält u.a. einen Ausschnitt aus Mozarts Requiem und andere klassische Stücke. CD 4 stellt teilweise etwas gewöhnungsbedürftige russische Revolutionsmusik vor.

Die Veröffentlichung dieses Buches ist Guevara und seinem Befreiungskampf gewidmet, wie man auf den ersten Seiten erfährt. Es wird betont, dass Che in einen Kontinent, in dem noch gesellschaftliche Zustände herrschten wie im Mittelalter und viele Menschen schlechter als Vieh behandelt wurden, für Veränderung kämpfte. Er wurde für die Campesinos - das einfache Volk- zum Symbol der Freiheit und verkörpert dessen Mythos von zeitlosem Wert.

Der kubanische Politiker wurde am 14.6.1928 in Argentinien geboren, wo er seine Kindheit und Jugend in bürgerlichen Milleu verbrachte. Er studierte Medizin, wurde Arzt und beteiligte sich am Aufstand von Fidel Castro gegen die Herrschaft von F. Batista y Zaldivar auf Kuba. Er wurde Präsident der kubanischen Nationalbank (1959-61) und anschließend Industrieminister (1961-65). In dieser Funktion hatte er maßgeblichen Anteil an der Sozialisierung der kubanischen Wirtschaft und Gesellschaft. Von 1966 an versuchte er in Bolivien eine revolutionäre Bewegung aufzubauen, wurde gefangengenommen und sofort erschossen. Che Guevara wurde eine Leitfigur der Befreiungsbewegungen in der Dritten Welt und der Studentenbewegung von 1968. Er war prägend für das Lebensgefühl und die Ideologie einer ganzen Generation. Es führt zu weit an dieser Stelle seine politischen Denkfehler zu analysieren.

Wichtig ist wohl, dass seit den Tagen seit er als Leitfigur einer weltweiten Befreiungsbewegung agierte, vieles anders ist als zuvor. Che war ein Teil einer Revolte, die das Verhältnis zwischen Jung und Alt, Mann und Frau, zwischen geistiger und körperlicher Gesundheit und Krankheit, zwischen den Subjekten und Objekten der Macht, zwischen Lehrer und Schülern, Schwarz und Weiß und zwischen Reich und Arm veränderte. Erbe dieser Zeit weltweit ist bis heute die Emanzipation des Sexualverhaltens, der Kleidermode, des musikalischen und visuellen Geschmacks, die Respektlosigkeit gegenüber einer Obrigkeit und darüber hinaus die Anerkennung des Andersseins in jeder denkbaren Hinsicht.

Anhand der im Buch enthaltenen Fotobiografie erhält man einen guten visuellen Eindruck von Ches Werdegang. Er war ein bildschönes Kind, ein fantastisch aussehender junger Mann, dessen Augen viel Seele ausstrahlten. Viele Fotos dokumentieren seine Aktivitäten während der Revolution in Kuba. Che wirkt auf all diesen Bilder eher wie ein Filmstar als ein Revolutionär. Sein legendäres Charisma ist sogar auf den Fotos noch spürbar. Auf einem der Bilder von 1959 umarmt er seine Mutter mit einer solchen Herzlichkeit als würde er nicht nur sie, sondern die ganze Welt umarmen.

Andere Fotos zeigen, dass er den Schalk im Nacken hatte. Ein war ein offenbar sehr lebensfroher Mensch.
Bildern mit Politikern wie Nasser, Nehru, Chruschev, Mao Tse-tung, Fidel Castro folgen solche, auf welchen man ihn nachdenklich Schach spielen sieht und wieder andere, die ihn als Beau outen. Zwei Aufnahmen zeigen seinen Leichnam. Selbst als Toter war Che noch schön. Seine nicht geschlossenen Augen scheinen immer noch zu sagen:

"Wir müssen stark werden, ohne je unsere Zärtlichkeit zu verlieren." (Zitat: Che)

Rezension:Sarabande (Audio CD)

2010-08-08T12:37:00.005+02:00

Dass der britische Musiker Jon Lord, Keyborder von Deep Purple, eine starke Affinität zu Bach hat, meinte ich früher bereits bei "Child in Time" herauszuhören. Bei "Sarabande" wird es eindeutig, wird es letztlich zum Thema. Hier nämlich knüpft Lord offiziell an die musikalische Form der Suite aus der Barockmusik, insbesondere von Johann Sebastian Bach an, bei dem das Ganze immer so wirkt, als ob die Teile eines Uhrwerks ineinander greifen.

Die vorliegenden Tracks von Jon Lord sollen an barocke Tänze erinnern. Bouree, bei Bach in e Moll. Jethro Tull hat sich übrigens neben Lord ebenfalls mit der Interpretation des barocken Bourees befasst. Man muss schon ein Insider sein, um Lords Absicht in seiner Boureedarbietung sofort zu erkennen. (Ich bin es nicht, schade eigentlich!) Sarabande, einst ein andalusischer Fruchtbarkeitstanz und später eine höfische Tanzform des Barock wird von Lord bei aller Verfremdung wunderbar interpretiert.

Trotz allem hört man die Gesetzmäßigkeiten einer Harmonie-Lehre, deren Ziel es ist die Grammatik der Musik zu beschreiben. Bach hätte daran gewiss seine Freude gehabt.
Schön, wirklich schön.

Immer noch empfehlenswert.

Rezension:Original Masters (Audio CD)

2010-08-06T20:45:00.005+02:00

Heute abend habe ich mir die Original- Masters- CD drei Mal reingezogen, beim dritten Hören zu "Lokomotive Breath" getanzt , um die Musik nicht nur mit meinen Ohren, sondern mit dem gesamten Körper erneut aufzunehmen. Timediver hat in seiner hervorragenden Rezension zu diesen Jethro Tull -Stücken im Grunde bereits alles gesagt. Ian Anderson ist einer der besten noch lebenden Rockmusiker, wie ich finde, neben Jon Lord natürlich.

Folk-, Blues-, Jazz-, Rock- und Pop-Elemente verbinden sich zu einem äußerst differenzierten Klangergebnis und erhalten durch die klassischen Einblendungen den letzten Kick. Bach lässt sich rausdeuten, ja aber ich bilde mir ein auch Ansätze von Händel (gut, stark verfremdete) wahrzunehmen, besonders in den "Sweat Dreams".

Der pausenlose Taktwechsel in "Songs from wood" ist beeindruckend aber auch die extreme Dynamik in "Lokomotive Breath". Sie verschafft ein Tanzerlebnis, dass ich in ähnlicher Form nur von "Smoke on the water" kenne. In solche Musik muss man sich natürlich bewegungsmäßig voll einbringen, ansonsten sollte man Tanzversuche lassen.

Andersens Querflöteneinsätze sind nicht von dieser Welt. Besonders schön sind sie in "Thick as a brick", natürlich super in "Lokomotive Breath". Hier ist auch der jazzige Beginn durch den Pianoeinsatz am Anfang , gleichwohl auch das spätere Flötensolo ein ganz besonderes Fest für das Gehör. "Living in the Past" und "Aqualung" sind ohnehin Musik für die Ewigkeit. Bei diesen Klängen hebt man immer wieder ab, wähnt sich schließlich im Musikhimmel, dessen Azur in seiner Farbintensität nicht zu beschreiben ist.

Ich habe mich entschlossen heute Nacht dort zu bleiben und solange auf "Lokomotive Breath" zu tanzen bis ich herausgefunden habe, weshalb sich dieses Stück grundsätzlich nur aus dem Unterkörper heraus tanzen lässt. Die Arme wollen sich zurückhalten. Der Körper konzentriert sich auf die Beine, ohne rumzuhampeln natürlich. Die Musik möchte sich in einer ihr adäquaten Bewegung spiegeln, wie mir scheint . Das muss man respektieren.

Es muss mit dem Tempo zu tun haben, vermute ich.

Wunderbar.

Links finden Sie einen Button, wo Sie Gelegenheit haben "Lokomotive breath" zu hören, allerdings in einer Version von 2007. Einfach super. Sie sollten tanzen, wenn Sie auf den Button gedrückt haben.:-))

Rezension: Bolero / la Mer u.a. (Audio CD)

2010-08-06T10:19:00.003+02:00

Maurice Ravel (1875-1937) galt als ein eleganter, kultivierter Gourmet der Pariser Musikwelt. Er trug mit seinen gefälligen, präzisen, aber höchst eigenständigen Kompositionen dazu bei, der französischen Musik den Weg ins 20. Jahrhundert zu ebnen.

Dem "Bolero" liegt eine einzige lange Melodie zugrunde, die sich in zwei Teile gliedert und durch ein ausgedehntes Crescendo immer wieder wiederholt wird. Die einzige Veränderung besteht im Umfang der Besetzung und in den wechselnden Klangfarben des Orchesters. Sogar der Begleitrhythmus und (bis kurz vor Schluß) die Tonart ändern sich nicht. Es scheint wie ein Experiment über das Anwachsen von Spannung. Dies verleiht den Klängen höchst erotische anmutende Komponenten.

Die Orchestermusik von Claude Debussy (1862-1918) ist farbenprächtig und sinnlich. Sie spricht Verstand und Gefühl gleichermaßen an. Sein "La mer" kann man wohl mit Recht als Klanggemälde bezeichnen. In "a mer" malt Debussy die sich immer wieder verändernden Stimmen und Charaktere des Meeres. Er verwendet die Farben des Orchesters, um ein Bild in Tönen heraufzubeschwören.

In "Prelude a l`apres- midi d`un faune" eröffnet Debussy einen neuen Abschnitt in der Musik. Die verfeinerten Klänge, die traumhafte Stimmung und das Vertrauen auf eine schöne Musik- das alles haben andere Komponisten zwar auch schon früher eingesetzt, aber nie zuvor dienten diese Elemente als Grundlage für ein ganzes Orchesterwerk. Diese Komposition zeigt alle Merkmale von Debussys reifem Stil, wie die silbrigen schweifenden Melodien, die Flöte, die Oboe gegen den schimmernden Hintergrund der Streicher vortragen und das Unterdrücken eines regelmäßigen Grundschlages.

Wundervolle Kompositionen, von den Berliner Philharmonikern und der Leitung von Herbert von Karajan ganz ausgezeichnet gespielt.

Rezension:Tafelmusik des Barock (Audio CD)

2010-08-05T12:07:00.004+02:00

Auf der vorliegende CD sind die allerschönsten Kompositionen des Barock zusammengestellt. Bachs "Orchestersuite Nr. 2 h Moll- Badinerie", aber auch Corellis "Streichersuite A- Dur- Giga", Glucks "Reigen seliger Geister" und Albinonis "Adagio g Moll" sind Musik für die Ewigkeit . Diese Klänge setzen beim Zuhören kein bestimmtes Tun voraus. Trotz ihrer Schönheit sind sie so zurückhaltend und sensibel, dass sie sich durchaus als musikalische Begleiterinnen zum gepflegten Dinner eignen.

Tafelmusik gehörte spätestens seit dem Mittelalter , vor allem aber seit der Renaissance zum imposanten Erscheinungsbild und klingenden Rahmen von Festen. In allen Folge-Jahrhunderten hat sich daran nichts geändert. Manche Komponisten wiesen mehr oder minder explizit bestimmte Kompositionen als Tafelmusik aus. So etwa Pachelbel der diese Stücke " Musikalische Ergötzung" nannte. Sein "Kanon und Gigue D-Dur" erklingt übrigens auf der ersten dieser beiden CDs .

Heute ist beinahe unverständlich, dass der Superstar des Barock, Johann Sebastian Bach(1685-1750) , schon kurz nach seinem Tod in Vergessenheit geriet. Seine "Brandenburgischen Konzerte"(Nr. 3 G-Dur ist auf einer der CDs zu hören) auch Händels "Wassermusik- Allegro- Air- Bouree-", sind geradezu ideal für eine Festtafel im Freien. Bach gelangte erst im 19. Jahrhundert zu Weltruhm, während die Namen Corelli, Vivaldi, Albinoni auch Locatelli nie aufgehört haben in aller Munde zu sein, vielleicht, weil ihre Musik am besten zwischen menschlichen Leidenschaften bzw. Erregungszuständen und bestimmten Klängen zu korrespondieren vermag.

In der barocken Musik stehen Dur-Klänge, Konsonanz und schnelles Tempo für Freude, während Trauer durch Moll-Klänge, Dissonanz und langsames Tempo ausgedrückt wird. Allerdings huldigte man dabei eher Apollon als Dyonyos. Die durch musikalische Gesten ausgedrückten Affekte waren in hohem Maße stilisiert. Die Barock-Zeit entwickelte auch die Gesetzmäßigkeiten der Harmonielehre. Diese Gesetze schreiben dem Künstler nicht vor, was er zu komponieren hat, sondern sie beschreiben die Grammatik der Musik, die erst die Verständigung zwischen Künstler und Publikum ermöglicht. Wie wunderschön, ja harmonisch, doch "Marcellos Obenkonzert d -Moll Largo" klingt! Diese Komposition ist ähnlich sphärisch angelegt, wie Glucks "Reigen seliger Geister".

Überaus empfehlenswert.

Rezension:Astor Piazzolla, 10 Audio-CDs (Audio CD)

2010-08-04T13:07:00.004+02:00

Auf den vorliegenden 10 CDs hören Stücke des legänderen argentinischen Musikers und Komponisten Astor Piazzolla( 1921-1992). Er war ein gefeierter Bandoneonspieler , Arrangeur und Orchesterleiter und gilt als Erneuerer des argentinischen Tangos, den er durch Elemente des Jazz und der neuen Musik dem Konzertsaal zugänglich machte.

Eine ganze Reihe seiner komponierten Tangos sind nicht mehr tanzbar. Es ist eine teilweise nicht unkomplizierte, dennoch die Gefühlswelt ungemein ansprechende, immer ein wenig melancholische Musik zum Zuhören. Generell ist man im Tango niemals deprimiert traurig, sondern trauert um etwas: eine durchgebrannte Geliebte, ein einstmal idyllisches Stadtviertel, den Glauben an die eigene oder fremde moralische Integrität.

Das ist auch bei Piazzollas Tango- Interpretation nicht anders.

Das Preis-Leistungs-Verhältnis ist sehr gut. Die Klangqualität weitaus besser als die, die ich von anderen Piazzolla-CDs kenne. Empfehlenswert! Auf den vorliegenden 10 CDs hören Stücke des legänderen argentinischen Musikers und Komponisten Astor Piazzolla( 1921-1992).

Er war ein gefeierter Bandoneonspieler , Arrangeur und Orchesterleiter und gilt als Erneuerer des argentinischen Tangos, den er durch Elemente des Jazz und der neuen Musik dem Konzertsaal zugänglich machte. Eine ganze Reihe seiner komponierten Tangos sind nicht mehr tanzbar. Es ist eine teilweise nicht unkomplizierte, dennoch die Gefühlswelt ungemein ansprechende, immer ein wenig melancholische Musik zum Zuhören.

Generell ist man im Tango niemals deprimiert traurig, sondern trauert um etwas: eine durchgebrannte Geliebte, ein einstmal idyllisches Stadtviertel, den Glauben an die eigene oder fremde moralische Integrität.

Das ist auch bei Piazzollas Tango- Interpretation nicht anders.

Das Preis-Leistungs-Verhältnis ist sehr gut. Die Klangqualität weitaus besser als die, die ich von anderen Piazzolla-CDs kenne.

Empfehlenswert!

Rezension:Es war einmal - Ein Lebensweg in Liedern (Audio CD)

2010-08-03T10:17:00.002+02:00

Immer wieder macht es Freude sich mit Pluhars gesanglichem als auch lyrischem Können zu befassen und stets entdeckt man eine neue Facette.

Erika Pluhar ist eine schöne, sehr begabte Frau, mit großer Ausstrahlung, die sich verstärkt hat, je älter sie wurde. Die Tiefe ihrer Augen ist faszinierend.
Ihre Texte sind ein Ausdruck ihres Empfindes, spiegeln ihre Seele, ganz ähnlich wie ihre Augen es tun.

Ihre Stimme ist weich und dabei hocherotisch, lassen die Lieder aus den 20er und 30er Jahren, die man auf der ersten CD hört, ganz anders erscheinen, als wenn Marlene Dietrich in harter Preußensprache " Ich weiß nicht, wem ich gehöre" oder " Nimm dich in acht vor blonden Frauen" leicht frivol, aber niemals erotisch singt.
Pluhar singt auch Lieder von Heller, Stephan Sulke und Biermann. Das sogenannte wienerische Lied interpretiert sie auf ihre Art, so etwa " Was schön ist" oder auch " Gesellschaftsleben".
Seit 1980 singt Pluhar primär ihre eigenen Texte. Besonders bemerkenswert erscheint mir folgender zu sein:

Liebende
Als Kind hatt`ich Zeichenblätter
darüber fuhr ich beglückt mit einem Stift
und aus der leeren Seite
drang langsam ein Bild
so wird deutlich wahr
wenn wir etwas aus Liebe beschreiben
es löst sich aus dem Nichts
und wird wesentlich
vor Leben

Werden wir Liebende
und glauben wir Liebenden
ihr Wissen und Handeln
belehrt unsre kleinen Seelen
die wie verirrte Vögel
an falschen Bäumen klammern
und ihre Schwingen nicht gebrauchen
bleiben wir Liebende
vertrauen wir Liebenden
die auch wenn sie kämpfen den Hass nicht verstehn

Gut, in Erwartung zu brennen
wie ein helles, befreiendes Feuer
das nur leuchtet
nicht verzehrt
und in dieses Leuchten
vereinen sich Sehnsucht und Freude
zu einer Liebe, die rein ist
und ganz ruhig
vor Erregung

Suchen wir Liebende
denn nur den Liebenden
gelingt es, die Welt
mit Weisheit zu pflügen
und auch wenn wir nicht ernten
die Saat gelebter Liebe
in Welträume zu verströmen
Wir brauchen Liebende
bedürfen der Liebenden
um in unsrem Sterben
unsterblich zu sein.

Wir brauchen Liebende
bedürfen der Liebenden
um in unsrem Sterben
unsterblich zu sein.

Pluhars Lieder sind zwar fast alle sehr empfehlenswert, dennoch: hier wurde eine sehr gute Auswahl getroffen! Das Preis-Leistungs-Verhältnis stimmt.

An den Händen halten sich nicht viele/mit den Fäusten schlägt man gerne zu/Zwischenräume gelten nicht als Ziele/ Träume sind für uns tabu.

Das ist Erika Pluhar, eine bewundernswerte Frau!

Empfehlenswert!

Rezension:Orient-Occident (Audio CD)

2010-08-01T23:35:00.003+02:00

Der Spanier Jordi Savall ist Musikwissenschaftler und Gambist ( die Viola de gamba ist ein Streichinstrument mit fünf bis sieben Saiten und wird auch Kniegeige genannt). Auf der vorliegenden CD interpretiert Savall mittelalterlich-maurische Musik in unnachahmlicher Weise. Beim Zuhören wird man veranlasst sich gedanklich nach Granada zu begeben, um dort im Garten des Generalife -Palastes, der einstigen Sommerresidenz der maurischen Könige, den wundervollen Klängen voller Andacht zu lauschen. Die sinnliche Ausgestaltung der vom Koran vermittelten Paradiesvorstellung hat seit jeher die Gartenbaumeister der islamischen Herrscher inspiriert. In besagtem Garten in Granada ist das Paradies zur irdischen Realität geworden.

Die Geschichte des Islam in Spanien ist eine von Erfolgen, geistigen Hochleistungen aber auch des Versagens.

Die unmittelbaren Nachwirkungen ihrer Existenz kann man in aberhunderten Lehnwörtern arabische Herkunft in den Sprachen der Halbinsel feststellen. Zwischen dem 13. und 15 Jahrhundert als Granada die Hauptstadt des selbstständigen Königreichs Granada war und die Basis für die sprachliche Manifestation bis ins Heute gelegt wurde, wirkten dort die herausragensten arabischen Dichter, Musiker, Historiker und Baukünstler.

An diese maurischen Künstler und Intellektuellen jener Zeit wird durch Savalls Musik erinnert.

Sehr schöne Klänge, die mit dem Sturz Boabdils in Spanien lange zum Tabu wurden. Die Kapitulationsbedingungen, die Boabdil, der letzte maurische Herrscher von Granada, auf Veranlassung Isabella von Kastiliens unterzeichnen musste, garantierten zwar noch Besitz , Religion und Kultur der Besiegten, wurden aber nur wenige Jahre eingehalten, dann setzten Zwangsbekehrung und -taufe ein, die aus den unterworfenen Untertanen mehr und mehr Rechtlose machten. Tausende , vor allem die Oberschicht, waren bereits nach der Kapitulation nach Nordafrika ausgewandert.

Die Musik , der sich die Mauren einst in Andalusien erfreuten, geriet selbst in ihrer Hochburg Granada in Vergessenheit.

Empfehlenswert!

Rezension:Luciano Pavarotti: The Best (Audio CD)

2010-07-29T19:24:00.002+02:00

Una furtiva lagrima... einfach sphärisch schön!!!!,

Kein Tenor strahlt soviel Lebensfreude und positive Grundgefühle aus wie Pavarotti es tat. Man freute sich , wenn man ihn auf dem Bildschirm sah, auch wenn er nicht sang, sondern einfach bloß in die Kamera lachte. Sein stimmliches Können ist unbestritten und bedarf keiner weiteren Erläuterung. Unmittelbar nach seinem Tode zu beckmessern ist ohnehin degoutant.

Die vorliegende Doppel-CD ist von sehr guter Klangqualität. Die Stücke sind insgesamt wohlbedacht ausgewählt. Vielleicht hätte man " La donna e mobile" nicht auf die erste Position setzen sollen, wobei Pavarotti Verdi ganz wunderbar interpretiert.

Weshalb hat man nicht eine Arie aus "La Traviata, allen anderen Stücken vorangestellt? " La donna e mobile" wurde seitens der Tonträgerindustrie überstrapaziert. Leider! Wie auch immer, Pavarotti singt das Stück trotz allem mit viel Herzblut . Das versöhnt. Die Stimme des großen Tenors bleibt für mich allerdings für immer mit Donizettis " Una furtiva lagrima" verbunden. Hier wird der Sänger geradezu lyrisch.
Einfach sphärisch schön!

Natürlich singt Pavarotti Puccinis "E lucevan le stelle" göttlich!

Sehr empfehlenswert!

Rezension: La Legende de la Chanson-Walle (Audio CD)

2010-07-28T22:11:00.001+02:00

L`amour est parti!

Ein Chanson ist ein textbetontes Lied.
Poetische Bildsprache, teilweiser Sprechgesang oder komplette Texte kennzeichnen alle und damit auch die vorliegenden Chansons.

Textinterpreten auf diesen 10 CDs sind: Juliette Greco, Jacques Brel, Tino Rossi, Henri Salvador, Yves Montand, Edith Piaf, Charles Aznavour, George Brassens, Gilbert Becaud und Fernadel.

Besonders schön sind die Chanson-Texte und Melodien Jacques Brels, weil sie unterschiedliche Stimmungen abdecken. Die Lieder, die oft von Trennung singen, haben stets einen ironisch-hoffnungsvollen Anklang.

Durch Ausdrucksstärke sind die Chansons von Juliette Greco gekennzeichnet, deren Stimme unglaublich sinnlich und damit sehr beeindruckend ist.

So singt sie u.a. folgenden Text mit unnachahmlichem Timbre:

Les amours perdues
Ne se retrouvent plus
Et les amants delaisses
Peuvent toujours chercher
Les amours perdues
Ne sont pas loin pourtant
Car les armants delaisses
Ne peuvent oublier
Tous les serments de coeur
Tous les serments d`amour
Tous les serre-moi serre-moi dans tes bras
Mon amour
On s`aimera toujour
Toujour toujour
Toujour toujour
Toujour tou...

( Auf französische Satzzeichen muss verzichtet werden, die gibt die Tastatur leider nicht her, pardon!)

Die Klangqualität der 10 CDs ist sehr gut, das Preis-Leistungs- Verhältnis o.k.

Empfehlenswert!

Rezension: Indians. Fotobildband inkl. 2 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-28T22:06:00.001+02:00

Über 100 Schwarz-Weiß-Fotos in diesem earBook zeigen Indianer unterschiedlicher Stämme, wie etwa Apachen, Navaho, Sioux, Arapaho, Cheyenne, Yuma, Hupa, Hopi, Apsaroke und andere mehr.

Edward Sheriff Curtis war vor über 100 Jahren bereits ein bekannter Portrait- und Landschaftsfotograf in Seattle. Er wurde offizieller Fotograf der "Harriman Alaska Expedition", begleitete den Anthropologen George Bird Grinndel in das Piegan Reservart, um die Sun Dance Zeremonie zu fotografieren und machte 1903 von Häuptling Joseph eine Porträtaufnahme. Curtis illustrierte eine Reihe von Bänden des Projekts "The North American Indian". Die Fotos im vorliegenden Buch stammen von ihm.

Was mich an meisten an den Bildern beeindruckt ist die Ruhe, die von ihnen ausgeht.
Die Gesichter der alten Indianer strahlen Klugheit und Umsicht aus. Die Fotos erscheinen wie von einer anderen Welt, die Klänge auf den beiden CDs übrigens ebenfalls. Musik und Fotos suggerieren unendliche Weite.

Es handelt um die Kompositionen des "Mohicans Music Projekts", die wohl eine der erfolgreichsten Ethno Pop Musikdokumentationen darstellt, die man in Europa veröffentlicht hat. Der Mix aus originalen, ethnischen Sounds und westlichen Einflüssen eignet sich meines Erachtens vortrefflich zum Meditieren.

Vielleicht bieten sich nachstehende Sätze eines indianischen Schamanen zur Meditation an:

"In unserem Stamm bringt man uns schon sehr früh im Leben bei, etwas richtig anzunehmen. Wenn sie etwas geschenkt bekommen, egal, ob es etwas Großes oder Kleines ist, sagen uns Leute: "Der Große Geist schaut nicht auf die Größe des Geschenks, sondern darauf, wie es überreicht wird."
Oder besser noch: "Wenn Sie irgendwo ankommen, prüfen Sie, ob sich ihr Herz wohlfühlt. Wenn nicht ändern sie die Richtung." ( Zitate: Bear Heart)

Vorübergehender Verzicht auf Lärm und Hektik hilft uns unsere Gedanken zu sammeln und unser Leben neu auszurichten. Diese Bilder und die Musik unterstützen solche Bemühungen auf angenehme Weise.

Rezension Berlin ...Fotobildband inkl.4 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-28T21:47:00.001+02:00

Die Berliner Fotografin Petra Horn hat die künstlerisch wertvollen Bilder für das earBook " Berlin" aufgenommen.

Es sind sehr schöne Impressionen von dieser Stadt, die nur selten erahnen lassen, dass es sich um Berlin handelt. Bloß auf einigen, wenigen Fotos wird diese Tatsache unmissverständlich deutlich. Das finde ich bemerkenswert.
Transportiert wird über die Bilder, dass es sich um eine moderne Stadt mit hintergründigem Charme sowie mit vielen unaufgeräumten, jedoch auch ebenso vielen überaus "cleanen", hypermodernen Ecken handelt, die ein großes Faible für moderne Kunst hat.

Sehr schön ist ein Foto, bei dem der Begriff "Zweifel" ein Gebäude beleuchtet. Möglicherweise handelt es sich um einen Firmennamen. Wer zweifelt, hat gute Chancen ein toleranter Mensch zu werden. Wenn der Zweifel ein Grundwesenszug der Berliner ist, spricht dies nicht gegen sie. Ganz im Gegenteil.

Die 4 CDs enthalten u.a. Musik aus den 20er Jahren( CD 1). Hier finde ich den Song der Comedian Harmonists am besten. Das Berlin jener Jahre ist allerdings nur auf wenigen Fotos im Buch wahrnehmbar.
Bei den Berliner Hits auf CD 2 amüsieren mich Ingo Insterburg& Co, auch die Gebrüder Blattschuss. Mit der Berliner Underground-Musik kann ich wenig anfangen. Liebhaber von Punk kommen aber gewiß auf ihre Kosten.
Mein Geschmack findet sich in CD 4 "Clubbing" wieder. Ein Titelverzeichnis der Songs stellt Amazon oben zur Verfügung. Die Klangqualität der CDs ist super.
Die Songs von CD 4 spiegeln die Bilderwelten im Buch am intensivsten wieder, bei denen " Pack die Badehose ein" eher irritierend wirkt....und doch meint man bei genauerem Hinsehen auf einem Bild die kleine Conny im Wannsee schwimmen zu sehen....

Rezension :A Concert of Angels (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-26T08:55:00.002+02:00

In allen Jahrhunderten waren Menschen von Engeln fasziniert und Künstler unterschiedlicher Epochen interpretierten sie jeweils auf ihre Weise. Engel sind die beflügelnden Boten des Friedens. Im christlichen Kulturkreis ist der Engel Gabriel untrennbar mit der Ankündigung der Geburt Jesu verknüpft. Gott selbst ist der Schöpfer und Bildner der Engel. Er hat sie aus dem Nichtsein ins Sein gerufen, nach seinem Bilde geschaffen als eine körperliche Natur, eine Art Wind und unstoffliches Feuer. Engel begleiten die Menschen durch alle Lebensphasen. Engel sind auch Wegbegleiter ins himmlische Reich, wo Menschen wie Engel werden sollen.

Das vorliegende earBook verzichtet bei seiner musikalischen und visuellen Huldigung dieser Lichtgestalten vollkommen auf Begleittexte. "Während man sich in die wunderbare Gemäldablichtungen von Engelsdarstellungen aus der Renaissance- und Barockzeit vertieft, tragen die zauberhaften Klänge himmlischer Chormusik, Verkündigungsmusik, barocker Pauken und Trompeten aber auch Spärenklänge auf den vier dem Buch beigefügten CDs dazu bei, dass man sich beinahe wie im Himmel fühlt.

Man hört u.a. Stücke von Händel, Schütz, Bach, Mozart, Brahms, Gallus, Reger, Mendolsohn, Bartholdy, Biber, Vejvanovsky, Weichlein, Purcell, Caldara, Kerzinger, Falsch, Bruckner, Bizet, Mozart, Gluck, Boccherini, Prokoviev, Hindesmith und Mahler,doch mir scheint, dass Christoph Willibald Glucks " Reigen seliger Geister" aus Orpheus und Euridike himmlischer Spährenmusik am nächsten kommt.

Die CDs sind von bester Klangqualität. Die wunderbaren Stücke der oben angeführten Meister werden von bekannten Orchestern gespielt und von namhaften Interpreten, wie etwa Peter Schreier vorgetragen. Zu den Dirigenten zählt u.a. Kurt Masur.

Die wohl zauberhaftesten Engeldarstellungen stammen von Raphael. Gezeigt wird im Buch u.a. der berühmte Ausschnitt aus dem Gemälde " Die Sixitinische Madonna", um 1513. Wunderschön sind Guercinos " Die Schutzheiligen von Modena", die Putten aus Tizans "Huldigung der Venus", Jean- Baptist Greuzes "Kopf des Armor" , aber auch Fra Angelos "Trommelnder Engel".

Sehr empfehlenswert, sowohl der Musik als auch der Bilddarstellungen wegen.

Rezension:Earbooks:Marrakech (Gebundene Ausgabe)

2010-07-26T08:43:00.001+02:00

Dieses earBook enthält wunderschöne Fotos von der Medina der marrokanischen Stadt Marrakech. In Marrakech bewachten übrigens einst 200 quadratische Türme die 19 Kilometer lange Stadtmauer. Hinter dem vermeintlich chaotischen Bild der Medina, in der sich Gässchen, Sackgassen, überdachte Gänge und Treppen verflechten, verbirgt sich ein durchdachtes System. Die Medina ist nach Gesellschaftschichten, Gilden oder Zünften unterteilt. Sie bilden mit ihrer Stille und Ruhe einen Gegenpol zu den lärmenden hektischen Souks.

Die Fotografien werden nicht durch Texte begleitet, sondern beginnen, während man die Musik der beiden dem earBook beigefügten CDs hört, zu leben und Geschichten zu erzählen. Man sieht die schönen Augen verschleierter Frauen, typische Gässchen der Medina, verzierte Gebäude und Loggien, Wohnungseingänge, Händler und Käufer in den Souks, die ockerfarbenen Wände von Häusern, Musiker beim Spiel, einen Schlangenbeschwörer, ein stolzen Falkner....., Marktimpressionen und immer wieder die schönen kajalumrandeten Glutaugen verschleierter Frauen, die das Jahrhunderte alte Geheimnis der Medina zu spiegeln scheinen.

Auf den beiden CDs von bester Klangqualität hört man Chill Out und Ambient Music, einen Mix aus westlichen und arabischen Klängen, der zum Träumen anregt und den Zuhörer direkt zu den Orten mitnimmt, die man auf den Fotos bewundern kann.

Ganz hervorragend zum Relaxen geeignet.

Rezension:Barcelona - Fotobildband inkl. 4 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-26T08:39:00.002+02:00

EarBooks liebe ich deshalb, weil sie Musik mit Bilderwelten verbinden und auf diese Weise die Fantasie anregen. Das vorliegende Buch verzichtet bei den gezeigten visuellen Impressionen von Barcelona vollständig auf begleitende Texte. Anstelle der Texte wird der Betrachter von Musik begleitet. Auf CD 1 hört man einen etwas gewöhnungsbedürftigen, jedoch dennoch sehr anhörbaren, alternativen Pop, auf CD 2 nimmt man Pop Rock wahr, wie man ihn sich überall und den ganzen Tag im quirligen Stadtleben der spanischen Metropole vorstellen kann. CD 3 wartet mit sehr schönen "Canciones Tradicionales" auf, die zum Herzen Barcelonas passen, während die Klänge von CD 4 "Mas que Jazz", die mich am meisten angesprochen haben, die Abende in dieser Stadt mitgestalten helfen.

Barcelona ist die südlichste aller Hauptstädte des Nordens. Die Fotos legen den Schwerpunkt auf lebendige, sehr moderne, aber auch auf alte, fast morbide Facetten der Stadt. Eindrücke rund um das "Barri Gótic" sind abgelichtet...,... die Oasen im Trubel, das Glück der Flaneure, auch Marktimpressionen, kreative Graffitibilder, passend zum alternativen Pop, moderne und alte Kunst, natürlich auch die Kathedrale, das Meer und nächtliche Eindrücke im Hafen, dazu "Más que Jazz".

Man fühlt die Wärme einer Sommernacht in Barcelona, während man Miguel Montoliu zuhört und einen Blick aufs nächtliche Meer wirft.....

Rezension:Tango. The Rhythm and Movement of Buenos Aires (inkl. 4 Musik-CDs) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-25T22:21:00.001+02:00

Der Tango ist ein argentinischer Gesellschaftstanz im 3/4 oder 4/8 Takt mit prägnant synkopiertem Rhythmus.

Das vorliegende " ear Book " enthält 4 wundervolle CD`s mit Tangoklängen von ausgesuchter Tonqualität.
CD 1 : " Musicas de noche ", CD: 2 " Tango alla Baila ", CD:3 " Tango vivo de Buenos Aires " und CD 4: " Astor Piazzola, live".

Irgendwo habe ich gelesen, dass der Tango das Herz verbrennen lässt und genau dieses Gefühl stellt sich bei mir seit Stunden ein, während ich mich in die Musik vertiefe. Ich lodere, während ich Piazzola höre.
Dennoch erzeugen Tangos Traurigkeit und Melancholie, ohne dass diese Emotionen Tränen zur Folge haben.

Während ich CD 3 höre, blättere ich in dem Bildband, der diese Musik in Buenos Aires visualisiert. Die Fotos, primär in Schwarz- und Rottönen gehalten, strahlen zum Teil ungeheure Sinnlichkeit aus. Man sieht Paare beim Tanz, der an einen sexuellen Akt erinnert, sofern zwei Menschen optisch zueinander passen, aber durchaus auch bloßes spaßiges Vergnügen verkörpert, wenn ein ungleiches, humorvolles Paar über die Tanzfläche schwebt.

Je mehr ich mich in die Musik reinhöre,desto stärker begreife ich, dass sie getanzt - perfekt interpretiert - immer nur ein sehr ernster, erotischer Akt voller Feuer sein kann. Während sich die Körper wiegen und eng aneinander geschmiegt sind, blicken Mann und Frau sich herausfordernd an und ich muss spontan an Penthesilea und Archill denken ...., aber Tango ist kein Geschlechterkampf, - dieser fand auch damals in Griechenland nicht statt -Tango verdeutlicht die absolute Glut, die zwischen zwei Liebenden entstehen kann, ist letztlich der harmonische Gleichklang zweier Körper, die sich stets aufs Neue suchen und immer wieder in Aufruhr geraten...

Welch ein Buch, welche Musik!

Natürlich sind auch Bandoneonspieler abgelichtet und morbide Vorstadtkneipen, in erster Linie aber tanzende Paare....

Unmöglich die Spieler aller Instrumente aufzulisten. Ich nenne nur die Bandoneonspieler: Astor Piazzola , Luis Longhi und Luciano Sciaretta.

64 Stücke sorgen für einen wirklichen Hörgenuss. Diese Musik ist ein Lebensgefühl, ähnlich wie der Fado, aber um vieles erotischer.

Sehr empfehlenswert.

Rezension:Bestheller 1967-2007 (Boxset) (Audio CD)

2010-07-25T22:17:00.001+02:00

Jeder, der Heller schätzt, kennt diese Zeilen aus dem wohl bekanntesten seiner wunderbar lyrischen Lieder.
Ich habe sie vor 30 Jahren als junge Studentin bei einem Freund in Göttingen das erste Mal gehört und war von Hellers Versen wie verzaubert. Noch vor Ort kaufte ich mir eine Schallplatte mit seinen Liedern. Es sollte nicht die letzte von diesem Liedermacher sein. Immer wieder lauschte ich dem Gesang , spielte die Platte Freundinnen vor, die von der Musik , der Stimme und den Texten ebenso davongetragen wurden, wie ich.
Heller war in meinen Augen ein Magier der Worte. Daran hat sich nichts geändert, wie mir das vorliegende Boxset zeigt. Noch immer verfalle ich seinem lyrischen Charme.

Man nannte Heller einst nicht grundlos den Wiener Kunstzigeuner.

Sarkastisch melancholische Elegien, nachdenkliche Chansons und unsentimentale, wirklich schöne Liebeslieder zeichnen sein musikalisches Repertoire aus.

Folgenden Lieder-Text möchte ich an dieser Stelle vorstellen:

Du, du, du
Wenn`s regnet, dann wachsen die Regenbögen,
wenn`s schneit, dann wachsen die Stern,
bei Sonn , da wachsen die Schmetterlinge,
und immer, immer wieder hab ich dich gern.
Du, du, du bist mein einziges Wort,
du, du du, heißt alles,
das Lachen, das Schreien, das Fortgehen, das Bleiben,
die Stunde, die Minute, der Wind und das Blatt,

Das Atmen, das Sterben und die Musik.
Du, du, du bist mein einziges Wort,
du, du, du heißt alles.
Das Gras und der Schnee, die Erde , die See,
das Suchen ,das Finden und das Verlieren.
Das Laufen, das Drehen, das Schlafen, das Sehen .
Das Fallen, das Fliegen, das ABC.

Schön, nicht wahr?

Hellers Musikkarriere fand zwischen 1968-1982 statt. 14 Langspielplatten wurden vergoldet, für 2 erhielt er Platin.

Die Klangqualität ist besser als bei einer älteren, ganz ähnlichen Zusammenstellung.

PS: Habe Hellers Lieder die letzten beiden Stunden gehört, während ich in einem Buch dessen Gartenparadies am Gardasee bewundert habe. Hellers Garten besitzt die gleiche Poesie wie seine Lieder. Darüber morgen mehr....

Immer noch empfehlenswert!

Rezension:The Best Of - The Best Of Rimsky-Korssakoff (Audio CD)

2010-07-20T21:58:00.000+02:00

Nachdem Rimsky -Korssakoff ( 1844- 1908) eine Karriere als Marineoffizier zugunsten seiner wahren Liebe, der Musik aufgegeben hatte, schuf er eine Reihe von hervorragenden Kompositionen und orchestrierte zahlreiche Werke großer Komponisten seiner Zeit. Möchte man einen ersten Eindruck vom künstlerischen Schaffen dieses Komponisten erhalten, ist man bestens beraten diese CD zu hören. Die Klangqualität ist gut.
Auf die Nennung der Interpreten wird im Begleittext verzichtet. Für Einsteiger ist dies allerdings unerheblich. Man möchte sich ja zunächst auf das Werk des Meisters konzentrieren.

Sehr schön sind die beiden Auszüge aus " Scheherazade ". Rimsky-Korssakoff legte in der farbenreichen Suite die Märchen aus " Tausendundeiner Nacht " zugrunde und hoffte, dass die Fantasie seiner Hörer einen ähnlichen Weg einschlagen würde. Die zu hörenden Kompositionen bieten eine glänzende Vielfalt von Klangfarben und fantasievollen musikalischen Motiven, die die Vorstellung und die Gefühle der Hörer ansprechen.

Der dritte Satz " The young Prince an the young Princess " gibt Korssakoff sich wunderbaren Klängen und Farben hin. Die zarte, wie verliebte Melodie beschwört mit ihrer leicht schwermütigen Schönheit ein Bild von Liebenden, die sich zärtlich umarmen. In der Mitte des Schlusssatz " Festival at Bagdad-The Sea " schildert der Komponist die gewaltige Szene eines Schiffbruchs. Den anschwellenden Wogen und den dunkler werdenden Wolken vergleichbar, bietet der Komponist alle Möglichkeiten des Orchesters auf. Ein gewaltiger Höhepunkt wird erreicht, das Rasseln der Becken erinnert an das Brechen mächtiger Wogen. Man meint zu hören, wie Sindbads Schiff gegen die Felsen geschleudert wird. Beeindruckend sind auch die Auszüge aus " Capricco espagnol " und aus der " Symphonie Nr. 2 " . Grandiose Musik, die zum Träumen anregt.

Das Preis-Leistungs-Verhältnis ist erfreulich.

Rezension: The Best Of - The Best Of Ravel (Audio CD)

2010-07-20T21:53:00.001+02:00

Maurice Ravel (1875-1937) trug in der Pariser Musikwelt mit seinen gefälligen, präzisen, aber höchst eigenständigen Kompositionen dazu bei, der französischen Musik den Weg ins 20. Jahrhundert zu ebnen.
Um einen ersten Eindruck von diesem Künstler zu erhalten empfiehlt es sich die vorliegende CD zu hören. Dem Begleittext sind die Interpreten nicht zu entnehmen, was dem Hörgenuss allerdings keinen Abbruch tut. Die Klangqualität ist gut. Die Interpretation der Stücke stellt mich mehr als zufrieden.

Bolero ist wohl sein bekanntestes Orchesterwerk. Dem Bolero liegt eine einzige Melodie zugrunde, die sich in zwei Teile gliedert und durch ein ausgedehntes Crescendo immer wieder wiederholt. Die einzige Veränderung besteht im Umfang der Besetzung und in wechselnden Klangfarben des Orchesters. Sogar der Begleitrhythmus und die Tonart ändern sich nicht. Es ist ein Experiment über das Anwachsen von Spannung. Ein faszinierendes Werk von sonderbar hypnotischer Wirkung.

Der 4. Satz der " Rhapsodie espagnole " ist ein sehr lebendiger Satz. " Feria " ist ein spanisches Straßenfest. Der Satz beginnt ruhig. Harfe und Piccolo, eine ästhetische Kombination, kündigen ein federleichtes rhythmisches Schwingen an. Dies führt weiter zu einer Fanfare aus Tonrepetitionen. Dann baut sich ein großer Höhepunkt auf, der mit viel Schlagzeug und schwerem Blech verstärkt wird. Eine sorglose Tanzmelodie unterbricht diese Stimmung. Sie wirkt besonders temperamentvoll, wenn sie in den schmetternden Hörnern zu hören ist.
Wieder wächst die Aktivität, die Dynamik schwillt an, bis der Tutti - Höhepunkt wiederkehrt.
Diesmal sinkt er in sich zusammen, die feiernden Leute scheinen sich zu verstreuen. Plötzlich erklingt der Kontrabass eine Figur, bei der man meint, ein betrunkener würde über die Szene torkeln.. Die Seufzer der Violinen scheinen seinen Kater musikalisch zu illustrieren. Ein mitfühlendes Englischhorn tröstet ihn mit einer weiteren matten Melodie.

Nun kehren die Stimmung und das viertönige Motiv des Prélude wieder. Doch längst sind auch die Nachtschwärmer wiedergekehrt. Sie werden in den Streichern angekündigt und singen ihre inzwischen vertrauten Lieder. Es folgt ein noch heftigerer Höhepunkt, der den insgesamt freundlichen Charakter des Satzes zu sprengen droht. Ein abschließender Wirbelwind bringt die " Rhapsodie espagnole " zu einem ungestümen, faszinierenden Ende.
Beeindruckende Klänge.

Ein gutes Preis-Leistungsverhältnis. Empfehlenswert.

Rezension:The Best Of - The Best Of Sibelius (Audio CD)

2010-07-20T21:49:00.003+02:00

Inspiriert von der faszinierenden Schönheit und der Geschichte seines Heimatlandes, schrieb Jean Sibelius (1865-1957) eine Musik, die von finnischem Nationalstolz erfüllt war und ihm nicht nur in seiner Heimat große Anerkennung eintrug. Möchte man einen ersten Eindruck vom Können des Komponisten erhalten, empfiehlt es sich in die vorliegende CD reinzuhören. In dem begleitenden Text sind die Interpreten nicht genannt worden. Sofern man sich zunächst erst einmal mit der Komposition des Meisters befassen möchte, dürfte dies nicht als Mangel begriffen werden. Die Klangqualität ist gut. Die Interpretation der Stücke gefällt mir.
Sibelius " Zweite Symphonie " und " Finlandia " (aus beiden Werken sind Auszüge auf der CD enthalten) sind ausdrucksvolle Beispiele für die finnische Nationalmusik.

In beiden Werken offenbaren sich die tiefe Heimatliebe und die perfekte Handhabung der musikalischen Form und der orchestralen Farben, mit denen er sein nationales Anliegen ausdrückt. Nach der Eröffnungszeremonie von " Finlandia " erklingt in den Flöten, Oboen und Klarinetten eine friedvolle Hymne, zu der die Streicher ihr herzliches Einverständnis geben. Doch dann bricht der Krieg aus. Stolze Fanfaren in den Blechbläsern rattern wie Gewehrschüsse, die Tuba und die Pauken drohen unheilverkündend, und in den Streichern versucht sich ein zurückdrängendes Thema durchzusetzen. In den Blechbläsern hält das alles bedeckte Feuer an. Währenddessen beginnen die Streicher die Gipfel zu stürmen, die eine dumpfe Tubamelodie in die Begleitung von Fagotten, Pauken, Celli und Kontrabässen erstiegen hat. Ein neuer Abschnitt folgt, ein wahrer Siegesmarsch, bei dem die Triangel eine gefällige Rolle spielt. Gegen Ende erklingt die friedliche Hymne wieder, die jetzt Raum erhält, sich auszudehnen. Sie führt zu einem freudigen Schluss, wo Becken aneinander schlagen und die Hymne selbst zur Größe einer Nationalhymne wächst.

Die Stücke auf der CD sind alle sehr beeindruckend.

Das Preis-Leistungsverhältnis ist bestens.

Empfehlenswert.

Rezension.The Best Of - The Best Of Bizet (Audio CD)

2010-07-20T21:45:00.002+02:00

George Bizet (1838-1875) erlebte nach vielversprechenden musikalischen Erfolgen in seiner Studentenzeit sehr schwierige Jahre, überschattet von Krankheit, Selbstzweifel und emotionalen Erschütterungen. Er starb ohne Erfolg und ohne die Anerkennung, die sein geniales Talent verdient hätte. Möchte man einen ersten Eindruck von Bizets Können haben, empfiehlt es sich diese CD zu hören. Die Klangqualität ist gut. Zwar fehlen im Begleittext Angaben über die Interpreten. Dies habe ich aber nicht als wirklichen Mangel begriffen. Meine Wünsche wurden dennoch zufriedengestellt.

" Carmen " hat alles, was großes Musiktheater ausmacht, eine farbige aufregende Handlung, Leidenschaft und Tragik. Die Musik ist eingängig. " Carmen " ist möglicherweise die beliebteste Oper überhaupt. Auf der CD sind die besten Stücke enthalten. Vielleicht ist " Habanera " am schönsten. Carmens temperamentvolle Lieder überzeugen. L` Arlésienne (Suiten Nr.1 und 2) ist die Musik zum Schauspiel von Alphonse Daudet. Die Sammlung von Orchesterstücken, die in ihren reichen Melodien, ihren Harmonien und Rhythmen einzigartig anmuten, sind in diesen beiden Suiten zusammengefasst, wovon man ebenfalls Auszüge auf der CD hören kann.

Das Preis-Leistungs-Verhältnis ist bestens.

Empfehlenswert.

Rezension:The Best Of - The Best Of Verdi (Audio CD

2010-07-20T21:41:00.000+02:00

Giuseppe Verdis (1813-1901) langes, produktives Leben erstreckte sich fast über ein Jahrhundert, das er durch eine Fülle von Meisterwerken mitprägte. Er nimmt eine herausragende Stellung unter den großen Opernkomponisten ein. Möchte man sich einen ersten Eindruck vom Können des Künstlers verschaffen, sollte man diese CD hören. Die Klangqualität ist sehr gut. Dem Begleittext sind die Interpreten nicht zu entnehmen. Die Interpretationen auf der CD gefallen mir allerdings, insofern bin ich zufriedengestellt.

Das exotische Sujet von " Aida " hat übrigens nicht selten zu verschwenderischen Inszenierungen geführt.
Sinnvoll ist es, sich ein wenig in die Opernhandlungen einzulesen, sofern man die Opern noch nicht auf der Bühne gesehen hat, damit man die einzelnen Arien auch in ihrem Kontext begreifen kann.

Aus Aida hört man " Celeste Aida": " Holde Aida, Göttin vom Himmel, von gold`nen Strahlen zaub`risch verklärt; Du bist die Königin meiner Gedanken....". Ganz wundervoll. In "Rigoletto" werden höfische Frivolität und zwielichtige Charaktere porträtiert. Beide Werke zählen zu den größten der Welt. "Rigoletto" handelt von Intrigen, Korruption und Enttäuschungen. Die Oper verrät viel über Verdis Vorstellungskraft, dass er überhaupt, obgleich er von der Zensur verfolgt war, dieses zeitlose Werk schaffen konnte. Die Auszüge dokumentieren dies sehr gut.

" La Traviata " besitzt einen Reichtum an musikalischen Nuancen und offenbart Verdis Kunst auf besondere Weise. Die Oper beruht auf der Novelle " Die Kameliendame " von Alexandre Dumas dem Jüngeren. Verarbeitet hatte Dumas einst seine traurige Liebesgeschichte mit Marie Duplessis. Beieindruckend sind auch die Auszüge aus " Il Trovatore " auch jener aus " Don Carlos " . Das Libretto beruht übrigens auf Schillers gleichnamigem Drama. Im Mittelpunkt der Handlung steht die geheime Liebe zwischen Don Carlos und Elisabeth von Valois. Die Liebe ist das große Thema Verdis. Ihr huldigt er unnachahmlich in den meisten seiner wundervollen Kompositionen.

Eine gelungene Zusammenstellung.

Das Preis-Leistungsverhältnis ist sehr gut.

Empfehlenswert.

Rezension:The Best Of - The Best Of Schubert (Audio CD)

2010-07-20T21:37:00.000+02:00

Als kleinem, rundlichem Brillenträger fehlte es Schubert möglicherweise an äußerer Ausstrahlung, sein musikalisches Talent jedoch war unbestritten, und wegen seines warmen, freundlichen Wesens war er bei allen, die ihn kannten, beliebt. Die Prüfungen seines oft unglücklichen Lebens überwand dieser Musiker und komponierte geradezu überirdische, sprühende Musik, die in ihrem Witz, ihrem Charme und Reichtum an Gefühl die Menschlichkeit seines Genies wahrhaft widerspiegelte.

Viele Komponisten der Klassik und Romantik schrieben ausgesprochen persönliche Musik, aber nur wenige schufen so menschliche Werke wie Franz Peter Schubert. Um einen ersten Eindruck von Können des Musikers zu erhalten, ist diese CD genau richtig. Die Klanqualität ist bestens. Die Interpretation der Stücke ist gelungen. Schubert komponierte seine " Fünfte Symphonie " im Alter von 19 Jahren. Sie sprudelt förmlich vor jugendlichem Überschwang. Die Symphonie Nr. 8, die den Namen die " Unvollendete " trägt, ist ein relativ reifes Werk von lyrischer Schönheit und Intensität. Aus beiden Symphonien kann man der CD Auszüge entnehmen.

Das Klavierquinett A - dur op 114 " Forellenquintett " ist eines der beliebtesten kammermusikalischen Werke überhaupt und Schuberts frühes Meisterwerk im Bereich der Instrumentalmusik. Zuerst vermittelt das Quintett den Eindruck von Leichtigkeit und Spontaneität, im 2. Satz weicht die Freude jedoch einer besinnlicheren Stimmung. Die langsamen Stellen des Satzes deuten tieferes und ruhigeres Wasser an, nachdem es sich vorher wohl eher um wirbelnde Stromschnellen zu handeln schien. Alle Stücke auf der CD lassen den Wunsch aufkommen mehr von Schubert zu hören.

Das Preis-Leistungs-Verhältnis ist mehr als bloß zufriedenstellend.

Rezension: Yehudi Menuhin 10 CD-Set

2010-07-16T13:39:00.000+02:00

Lieben Sie Brahms?,

Ich hatte das große Vergnügen Sir Yehudi Menuhin ( 1916-1999) zu Beginn der 90er Jahre in Wiesbaden erleben zu dürfen. Ein unvergesslicher Eindruck!

In Wiesbaden bin ich jetzt- fast 2 Jahrzehnte später- auf dieses wunderbare 10 CD-Set mit Klängen des großen Meisters gestoßen und habe entdeckt , dass Amazon sie recht kostengünstig zum Kauf anbietet. Wer Freude an klassischer Musik hat, sollte sich die Box kaufen. Menuhin spielt wundervoll!

Der amerikanische Violinist, Dirigent und Philantrop präsentiert hier auf der Geige Stücke von Bach, Mozart, Beethoven, Vieuxtemps, Elgar, Nielsen, Bartok, Bruch, Schumann, Franck , Dvorak und Tschaikowsky auf höchstem Niveau.

Die Aufnahmen sind alle sehr gut , obgleich auch solche aus den 30er Jahren dabei sind, wie etwa "Hungarian Dances" von Brahms, aufgenommen 1934/36 oder auch " Violin Concerto in B minor, op. 61 " von Elgar, aufgenommen 1932.

Während ich meine Kauf-Empfehlung in wenigen Worten zum Ausdruck bringen möchte, höre ich " Piano Trio in A minor , op. 50 " von Peter Tschaikowsky. Hier spielt Yehudi Menuhin die Violine und Hephzibah Menuhin das Piano. Diese Aufnahme ist von 1939 und dennoch von bester Klangqualität.

Die meisten Stücke , auf den CDs sind übrigens im 19.Jahrhundert und 20. Jahrhundert komponiert worden. Bruch, Bartok und Elgar nehmen einen breiten Rahmen ein.

Das Preis- Leistungsverhältnis ist o.k.! Sehr zu empfehlen!

Rezension:Chopin: Das Gesamtwerk (Box mit 17 CDs) (Audio CD)

2010-07-14T21:03:00.000+02:00

Während ich hier schreibe, höre ich übrigens Chopins Etüden, gespielt von Louis Lortie, weil ich offenbar von Chopin nie genug bekommen kann,... und nochmals und nochmals und nochmals.....Chopins Musik macht mich süchtig

Im 19. Jahrhundert erlebte die Technik des Klavierspiels einen großen Aufschwung, der von Chopin und seinem Zeitgenossen Franz Liszt sehr gefördert wurde. Der ältere Klaviervirtuose Ignaz Moscheles bezeichnete Chopins " Etüden op.10" , die ich soeben höre, noch als unspielbar und fingerbrechend.
Chopin wurde vor allem von dem Geiger Paganini und dem Pianisten Franz Liszt beeinflusst, doch für Chopins Stil spielt auch das Element der Melodik eine wichtige Rolle, wie man seinen Nocturnen entnehmen kann. Stimmung und Technik des in der damaligen Oper gepflegten Belcanto werden hier auf das Piano übertragen. Auch das polnische Erbe ist wichtig für Chopins Stil, das zeigen seine Mazurken und Polonaisen.

Chopins Musik ist meines Erachtens eine Ode an die Vielfalt der menschlichen Seelenlandschaft. Filigrane Sensitivität gepaart mit Schwermut sowie Leidensbereitsschaft und unendlicher Sehnsucht wurden hier festgeschrieben für die Ewigkeit. Man wird von seiner Musik in den Bann gezogen und denkt vielleicht an die polnische Dichterin Wislawa Szymborska und deren Gedicht " Etwas über die Seele" , das mit den Zeilen endet:

Sie sagt nicht woher sie kommt
und wann sie wieder verschwindet
doch sie wartet ausdrücklich auf solche Fragen

Es sieht so aus,
dass wie wir sie,
auch sie uns
für irgendetwas braucht

Frederic Chopin hatte für sich bereits eine Antwort auf das viele Jahrzehnte später niedergeschriebene, schöne Gedicht gefunden und sie durch diese seelenberührenden Klänge für alle, die noch empfinden vermögen, festgehalten.

Seine Etüden sind das Wundervollste , was ich je gehört habe.
Ich liebe Chopin.

Sehr zu empfehlen.

Rezension:Carmen's Dance - A Fantasy of Spanish Flamenco & Opera - Fotobildband inkl. 4 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-07T20:13:00.000+02:00

Das ear Book "Carmen`s Dance" enthält 4 CD`s in traumhafter Klangqualität.

Das Bayerische Staatsorchester spielt auf CD 1 Highlights aus der Oper "Carmen" von Bizet.Die Dresdner Philharmonie wartet mit " Spanischen Impressionen " auf. Hier kann man sich auf CD 2 an den Klängen der " Rhapsodie espagnole" von Maurice Ravel , an der " Ibera " von Albinez und an Manuel de Fallas " El Sombreo de tres Picos " erfreuen.

CD 3 und 4, an deren Inhalt ich mich nicht satt hören kann, beherbergen 29 Flamencos. Der andalusisch - maurische Einfluss ist unverkennbar. Einige Stücke enthalten Gesang, teilweise wird der Rhythmus durch Stampfen, Klatschen und Kastagnettenspiel akzentuiert. Besonders angetan bin ich von dem arabisch anmutenden Stück " Danza Arabe- Damasco " von Sabicas, das unweigerlich in Traumwelten führt, in denen Boabdil eine nicht unwesentliche Rolle spielt. Exzellente Flamenco-Gitarristen sorgen für höchsten Hörgenuß.

Das Buch enthält zahlreiche sehr schöne Schwarz-Weiß- Bilder von Flamenco- Tänzerinnen, deren Vorbild Carmen ist, die Dame aus Bizets wundervoller Oper....

Der Blick dieser von Tina Deininger und Gerhard Jaugstetter abgelichteten Spanierinnen ist stolz, herausfordernd, sinnlich und hochkonzentriert. Je intensiver sie sich dem Tanze hingeben, umso entrückter erscheinen die Tänzerinnen. Aufnahmen von Sevilla und Fotos von der Alhambra in Granada spiegeln das sarazenische Flair des Stücks "Danza Arabe- Damasco". Die Tänzerin Maria Angeles Gabaldon zeigt in einer Bilderserie wie sie eins wird mit der Musik. Auch der Tänzer Miguel Vargas visualisiert das Wesen des Flamencos, einer Musik, die die Seele unendlich berührt, einer Musik, die Sommer pur verkörpert.

Ich hörte die ersten Flamencos in Andalusien als 20 jährige, gemeinsam mit Elias, einem jungen Isländer, dessen eisblaue Augen nicht nur die Spanierinnen faszinierten. Ein spanischer Musikstudent spielte nachts am Strand Gitarre und seine Freundin tanzte dazu. Ein Lagerfeuer brannte. " Mia Favorita " . Unvergesslich.

Sehr empfehlenswert.

Rezension:Salsa ...Fotobildband inkl.4 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-07T20:07:00.001+02:00

Dieses earBook enthält vier CDs mit allerbester Salsa-Musik. Es handelt sich hierbei um eine Titelauswahl aus dem Katalog des weltberühmten New York Salsa Labels Fania Records, das 1964 von dem Musiker Johnny Pacheco und dem Anwalt Jerry Masucci gegründet wurde. Damals brachten zahlreiche junge Latino-Musiker die Musik ihrer Heimat in den Big Apple. Ihre Klänge verschmolzen mit den neuen Sounds aus Spanish Harlem und der Bronx zu einem Mix aus Salza, Boogaloo, Latin R&R und afro-kubanischem Jazz.

In den 70er Jahren beherrschte Fania die Szene und hatte die berühmtesten Salza-Künstler und -Interpreten unter Vertrag. Tito Rodriguez, de Lebron Brothers, Larry Harlow, Willie Colón, Héctor Lavoe, Rubén Blades, Celia Cruz sind übrigens Legenden dieses Musikstils.

Im Vorwort erfährt man, dass die Salsa-Musik in diversen kubanischen Musikgenres wie Son, Mambo, Rumba, den auf Puerto Rico populären Musikrichtungen Bomba und Plena sowie dem Latin Jazz ihren Ursprung hat. Die Vorläufer des Salsa waren Mambo, Cha-Cha-Cha und wie eingangs bereits erwähnt der Boogaloo.

Die Texte der Salsa-Songs der 60er und 70er Jahre sind zum Teil sehr sozialkritisch und politisch konnotiert. Für die Latino-Bevölkerung in den USA wurden sie damals sehr rasch zu Hymnen. Der Salsa verbreitete sich damals von New York über Miami , Kuba, Kolumbien und in den süd-mittelamerikanischen und den karibischen Raum aus. Für die Latinos wurde er Ausdruck ihrer eigenen kulturellen Identität.

Die im Buch enthaltenen CDs mit den Titeln " Roots of Salsa", "Salsa Dancers", "Salsa Romantica" und "Salsa Greats" verschaffen dem Zuhörer " einen umfassenden Eindruck dieses einzigartigen, mitreißenden und zum Tanzen animierenden Latino-Sounds" verspricht das Vorwort. Ich habe gestern Abend alle vier CDs "abgetanzt" und kann diese CDS insofern auch für Partys empfehlen. Eine supertemperamentvolle Musik. Wem es da nicht in den Füßen kribbelt ist leider schon tot.

Die Fotos im Buch vermitteln Salsa-Gefühl pur. Man hat Gelegenheit viele schöne Salsa-Tänzer und -Tänzerinnen zu bewundern. Die fröhlichen Gesichter sprechen für sich. Natürlich ist dieser Tanz betont körperlich. Er eignet sich bestens dazu sich vorübergehend die Seele aus dem Leib zu tanzen und dabei " Dancers High" zu verspüren. Sehr schön sind die Fotos von einer Beach-Party in Kuba und einer weiteren in Brasilien. Alle Fotos dokumentieren Temperamentsausbrüche und ausgelassene Fröhlichkeit. Ich bin begeistert.

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Rezension: Roads of Jazz (Fotobildband inkl. 6 Musik-CDs) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-07T19:59:00.000+02:00

Dieses wunderbare earBook enthält 6 CDs von bester Klangqualität, auf denen man die verschiedenen Stilrichtungen des Jazz kennenlernt. CD 1 ist dem Classic Jazz gewidmet, CD 2 dem New York Swing, CD 3 dem New York Be-Bop, CD 4 dem New York Modern Jazz, CD 5 dem Cool & Westcoast Jazz und CD 6 dem Jazz in Europe. Musik von allen Jazz-Größen wird wiedergegeben, beginnend bei Louis Armstrong, weiterführend über Duke Ellington, Fletcher Henderson, Benny Goodman, Lionel Hampton, Miles Davis, Clifford Brown und endend mit Serge Chaloff und Dave Brubeck, um nur einige zu nennen.

Wie man die Stücke und Musiker auf den CDs musikalisch einzuordnen hat erfährt man, wenn man im Buch die Geschichte des Jazz aufmerksam liest. Diese Geschichte, die am Anfang des 20. Jahrhunderts begann, wird mit vielen Fotos illustriert und dokumentiert auf diese Weise auch den jeweiligen Zeitgeist, der im Jazz vorherrschte.Das Buch ist untergliedert in: New Orleans, Chicago, Kansas City, New York ; Cotton Club, Carnegie Hall, Onyx, Famous Door, Savoy Ballroom; To Be Or Not To Bop; Swinging Hard & Funky; Lighthouse Café, Sardi`s , Blackhawk, The Haig, Melody Room; Paris, London; Berlin.

Der Jazz ist in allen Abschnitten seiner Geschichte mit den Namen großer Musiker verbunden gewesen und wurde von den Lebensumständen der Zeit geprägt, in der sie spielten. Erklärbar wird dies alles über die Roads of Jazz, über die Städte, in denen bestimmte Stilrichtungen vorherrschten, über die Clubs und Bars, die Tanzschuppen und Konzertsäle, in denen die Bands auftraten. Der Jazz eroberte innerhalb nur eines Jahrhunderts die Welt. Jeder kennt Namen wie Louis Armstrong, Coleman Hawkins, Benny Goodman und Oscar Peterson. Begonnen hat der Jazz in New-Orleans, einem besonders lebensfreudigen Ort, an dem sich die Temperamente und Kulturen der unterschiedlichsten ethnischen Gruppen ballten, die alle ihre Musik hervorbrachten. Hieraus entstand geradezu zwangsläufig etwas Neues. Jazz war und ist demnach ein Lebensgefühl.

Einen nicht unwesentlichen Anteil an der Entwicklung des frühen Jazz hatten kreolische Musiker, die nicht selten besser ausgebildet waren, also demnach auch vielfach Noten lesen konnten. Am Beginn des Weges, den die Roads of Jazz markieren, gab es in New Orleans mehr als drei Dutzend Bands, die auf Straßen, Lokalen und Bordells spielten. Die meisten Musiker waren Afro-Amerikaner und Kreolen, aber auch Weiße bildeten Orchester, um den großen Bedarf an unterhaltender Musik zu befriedigen. So erfährt man u.a., dass in New Orleans Begräbnisse nicht selten eine Gelegenheit waren, dem Tod durch entsprechende Musik eine heitere Seite abzugewinnen. Natürlich liest man über Louis Amstrong und die "King Oliver`s Jazz Band". Diese Band um den Trompeter Paul Mares, den Klarinettisten Leon Rappolo und den Posaunisten George Brunis war eine der erfolgreichsten Gruppen des weißen New Orleans Jazz. Louis Armstrong, "Satchmo", war der personifizierte Jazz schlechthin. Seine technisch brillanten, fantasievoll swingenden Improvisationen haben ganze Generationen von Musikern beeinflusst. Er war ein herausragender Trompeter mit makelloser Technik und sattem Ton, aber auch ein liebenswerter Entertainer.

Man lernt Bix Beiderbecke kennen, auch den Pianisten Jelly Roll Morton, der der erste war, der jazzmäßig komponierte und erfährt, dass in Kansas City ein früher orchestraler Swing gespielt wurde, der durch Riffs, einen flüssigen, bouncenden Beat und starke Blues-Elemente gekennzeichnet war. Saxophone spielten eine bedeutende Rolle, die Arrangements waren zumeist nur abgesprochen. Aufgrund der wirtschaftlichen Depression ging die große Zeit der Bands in Chicago dann zu Ende. Viele Musiker, wie Benni Goodman, Eddie Condon und Count Basie waren in New längst gelandet, auch Armstrong und Fletcher Hendrikson spielten nun dort. New York war damals ein Hexenkessel in dem sich Neues anbahnte. Darüber wird im Buch ausführlich berichtet.

Neben Flechter Henderson und Duke Ellington lernt man eine Reihe anderer namhafter Jazz-Musiker jener Tage kennen, wird mit dem Swing in der Folge vertraut gemacht und hier auch mit der ersten Goodman-Bigband. Ella Fitzgerald wird erwähnt, man liest vom Cotton Club, dem Saxophonisten Johnny Hodges, der Carnegie Hall, wo viele berühmte Musiker auftraten wie etwa Benny Goodman, Duke Ellington u.a.. Der Swing wird sehr schön fokussiert , aber schon auf dem Höhepunkt seiner Ära erklangen neue Töne, so Benny Goodman Sextett, das er 1939 bildete und in dem der Gitarist Charlie Christians schon hörbar neue Wege suchte. Billie Holliday bleibt nicht ausgespart im Bericht, bevor man sich thematisch immer weiter ins Jetzt bewegt.Unmöglich an dieser Stelle alle Musiker und Sänger zu nennen, die in dem Buch vorgestellt werden und sich über alle Stilrichtungen auszulassen

Sehr bemerkenswert war das Können von Clifford Brown, der sich durch einen warmen Ton und brillante Technik auszeichnete, natürlich auch von Miles Davis, der wohl einer der wichtigsten Musiker auf der Roads of Jazz war. Der Tenorsaxophonist Bob Cooper erregte Aufsehen als er bei den Lighhouse All-Stars zum ersten Mal die im Jazz ungewohnte Oboe einsetzte und mit Bud Shanks Flöte zusammen spielte. Dave Brubeck wird nicht vergessen und auch Django Reinhardt nicht. Reinhard hat in seinem sehr rhythmischen Spiel Zigeunermusik, französische Folklore und Jazz-Elemente verschmolzen.

Die Fotos im Buch finde ich faszinierend, natürlich auch hochinformativen Texten und die tollen Musikauswahl. Während des Schreibens hörte ich New York Swing, Musik also, die ins Blut geht und gute Laune macht.

Rezension:Bordello (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-07T19:54:00.000+02:00

Dieses wunderschöne ear Book enthält vier CDs mit französischen Chansons, vorgetragen von Marlene Dietrich, Damia, Berthe Sylvia, Rina Ketty, Jean Sablon, Charles Aznavour, Yvette Guilbert, Maurice Chevalier, Mistinguett, Yvette Giraud, Edith Piaf, Yves Montand, Lucienne Delyle, Charles Trenet, Frehel, Lucienne Boyer, Line Renaud, Francis Lemarque, Tino Rossi, Leo Marjane, Josephine Baker und Mouloudji.
Chansons wie " Jezebel " (Charles Aznavour), " Les amants de Paris " (Edith Piaf) , " Quant l`amour meurt " ( Marlene Dietrich), " Tristesse " (Tino Rossi) , " Plaisier d`amour " (Yvonne Printemps) aber auch " Lili Marlene "(Suzi Solidor) handeln nicht selten von der Liebe.

Die körperliche Liebe haben Männer in allen Jahrhunderten immer wieder auch in Bordellen gesucht.
Der Fotograf Vee Speer zeigt im Buch Bordellschönheiten. Lagerfeld schreibt im Vorwort " Das Zwielicht in den großartigen Fotografien schöner Frauen Vee Speers lässt den Betrachter mit der gefangenen Umgebung verschmelzen und versetzt ihn in eine traumartige Vision einer oft nur billigen Realität ". Für Lagerfeld gilt, dass Lust und Schönheit bei den Fotografien Vee Speers in Bezug zueinander bleiben. Das möchte ich nach dem Studium der Fotos bestätigen.

Dem Betrachter werden fast ausschließlich Schwarz - Weiß - Bilder entgegengebracht, die mit den Chansons im Hintergrund auf geheimnisvolle Art zu leben beginnen. Die Frauen sind wirklich sehr schön. Ich habe sie heute in ihrer Nacktheit den ganzen Abend betrachtet. Die Körper sind wohlgeformt und die Brüste schauen aus wie appetitliche kleine Äpfel. Es wird der Eindruck erweckt in die 20er Jahre zurückversetzt zu sein. Die Frisuren deuten darauf hin, die Dessous, die Korsagen, aber auch die unrasierten Venushügel.
Die Augen sind Kajal umrandet. Keine der Schönen hat einen frivolen Ausdruck, alle wirken entweder sinnentrückt oder nachdenklich.

Einige Bilder deuten leicht lesbische Neigungen der Frauen an. Auf den wenigen Farbbildern tragen die Schönen rote Korsagen und schwarze Seidenstrümpfe. Ihr Blick gebietet Distanz. Betörend schön ist eine über zwei Buchseiten sich räkelnde Frau mit straff nach hinten gekämmten, zusammengebundenen Haaren und geschlossenen Augen. Ihre Lippen sind formvollendet. Ihr schöner, nackter Körper ist von einem schwarzen Spitzentuch bedeckt. Nie käme man auf die Idee hier eine Prostituierte vor sich zu haben. Hier ruht eine Göttin der Liebe.

Nur wenige Male tauchen Männer auf den Fotos auf. Der eine ist bekleidet, spricht mit zwei ihn animierenden Frauen. Man kann sich vorstellen, wie im Hintergrund französische Chansons gespielt werden. Der andere posiert mit nacktem Oberkörper allein auf einem Foto. Ein dritter Mann kniet nackt vor einer völlig bekleideten Nonne. Hier wird wohl der Madonnen -Huren - Komplex von Männern visualisiert. Aparte Frauen mit gespreizten Beinen auf Louis XVI - Sesseln...., eine sehr schöne Frau mit schwarzer Korsage, rittlings auf einem Bidet sitzend, eine andere ebenfalls mit Korsage bekleidet, schwarzen langen Handschuhen und schwarzen Seidenstrümpfen leicht nach vorne gebeugt lassen sicher die Pupillen männlicher Betrachter größer werden. Man kann das Gesicht der Schönen zumeist nur erahnen. Wenn man einen Blick erhascht, dann ist er fast immer sehr verschreckt. Bordellschöne in Paris in der 1920ern, dazu die Klänge der wundervollen Chansons, die von aller Welt geliebt werden. L`amour toujour...die große Illusion....

Sehr gut ausgewählte Chansons und traumhafte Bilder.

Empfehlenswert.

Rezension: Fado- Bildband mit 4 Audio-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-07T19:47:00.000+02:00

Das vorliegende earBook führt den Leser sowohl akustisch als auch visuell nach Portugal. Die im Buch enthaltenen 4 CDs bringen den Zuhörer den Fado näher. Fado bedeutet auf Portugiesisch " Schicksal " und wird für sehr gefühlvolle, traurig gestimmte Lieder, in denen die Liebe und der Verlust besungen werden, synonym verwendet. Der Fado, der in Portugal einst in den Armenvierteln entstand, wurde Ende der 20er Jahre des 19.Jahrhunderts gesellschaftsfähig.

Eine Fadogruppe besteht aus mindestens 3 Musikern: einem Gitarristen für die spanische Gitarre, einem für die portugiesische Gitarre und einer Fadosängerin. Zu den Musikern und Sängern, die man auf den CDs hören kann, zählen Meister wie Antonio Chainho, auch wie Paulo Braganca , Lenita Gentil , Ada de Castro, Diamantina, Filipe Duarte, Maria Jose da Guia, Nuna da Camara Pereira, Joa Braza, Maria da Fe, Ana Maria u . a. Einsteiger erhalten einen guten Überblick in diese Musikrichtung.

Der Fotograf Luis Pavao hat zwischen 1981-1986 und zwischen 1992- 1995 im beliebten Ausgehviertel Lissabons " Bairro Alto " in Kneipen und Gaststätten authentische Bilder festgehalten, die die Atmosphäre in der Fados gesungen werden dokumentieren. Nicht alle Sänger singen professionell. In einfachen Kneipen singen Fadosänger nur zum Vergnügen oder um ihren Schmerz auf diese Weise mitzuteilen. Pavao hat die Künstler bei ihrem Tun fotografiert. Die Sängerinnen sind teilweise nicht mehr jung und sehr dick. Was zu zählen scheint ist ausschließlich die Stimme.

In Hinterzimmern der Kneipen singen und spielen in die Jahre gekommene Männer den Fado, manche von Ihnen sind bereits zahnlos. Hier wird Alter ungeschminkt dokumentiert, wie man es im jetzigen Jahrtausend nur noch bei den Armen in Drittländern kennt. Modische Schick gibt es nicht. Jüngere Frauen tragen weiße Sommerschuhe, die schon lange keinen Schuster mehr gesehen haben, auf blickdichte, schwarze Strümpfe. Ältere Frauen hüllen sich in schwarze Kittelschürzen, um ihre Kleidung zu schonen. Auffallend ist, dass Männer und Frauen in jenen Jahren in Portugal offenbar in Frauen- und Männergesellschaften lebten. Die Tavernen, in denen sich die Männer abgelichtet wurden, sind in einem völlig morbiden, schlimmer noch in einem desolaten Zustand. Vor den Türen wird Fisch gegrillt, der Rotwein wird aus Flaschen getrunken, während man Domino spielt.

Die meisten Aufnahmen sind schwarz - weiß, wenige nur farbig. Hier allerdings fallen die hübschen " Azulejos " an den Wänden auf, für die das portugiesische Handwerk bekannt ist. Die Fotos verklären nichts, sondern spiegeln den traurigen Ausdruck, den diese wehmütigen, rastlosen Lieder haben. Vergessen wir nicht, dass noch lange über die Nelkenrevolution hinaus, in der die Diktatur Salazars abgeschafft und die Großgrundbesitzer enteignet wurden, Portugal das Armenhaus Europas war. Dies wird auf den Fotos drastisch dokumentiert.

Empfehlenswert.

Rezension: A Venetian Concert - Fotobildband inkl. 4 Musik-CDs (earBOOK) (Gebundene Ausgabe)

2010-07-07T19:34:00.001+02:00

Ear Books sind meine derzeitigen Favoriten, weil durch sie mehrere Sinne zeitgleich angesprochen werden und sie sich ganz hervorragend zur Meditation aber auch zum Träumen eignen.

Das vorliegende ear Book " A Venetian Concert " beinhaltet 4 CDs mit primär italienischer Renaissance Musik der Komponisten Biagio Marini, Giovanni Battista Buanamente, Giovanni Picchi ,Dario Castello , Salome Rossi, Girolamo Frescobaldi, Giovanni Battista Fontana, Ludivico Fogliano, Paolo Scoto , Bartholomeo Trimbonico, Andrea Antico, Francesco Patavino, Giorgo Mainerio, Giovanni da Nola, Gabrielle Falamero, Johannes Hieronymus Kapsberger, Giovanni Felice Sances, Angelo Botari, Giovanni Stefani, Giovanni Battista Ricci, Guisseppe Giamberti, Vicenzo Calestini, Barabara Strozzi, Francesco Turini, Giovani Maria Trabaci, Claudio Monteverdi, Dario Castello und einigen namentlich nicht bekannten Komponisten.

Die Viola Gamba, die Blockflöte, die Querflöte und andere Instrumente aus jener Zeit verzaubern den Zuhörer und bilden den idealen musikalischen Hintergrund, um sich in die Fotografien namhafter Architekturfotografen wie Paolo Marton und Florian Monheim zu vertiefen, die dem Betrachter venezianische Villen der Spätrenaissance entgegenbringen. Auf begleitende Texte wird bei den Fotos verzichtet. Sie würden bei der Meditation letztlich auch stören.

Für das im Buch abgelichtete Umfeld wurde die Musik einst komponiert, hier hielten sich die Patrizier im Sommer auf, natürlich auch die schönsten Frauen Venedigs sowie die Maler, die Dichter und nicht zuletzt die etablierten Musiker . Sie alle lebten von ihren Mäzenen und suchten folglich der Nähe.

Die Außenfassaden der Villa Dall` Aglio , der Casa del Petrarca ( hier verbrachte der Dichter der Laura-Lyrik die Sommermonate und hier verstarb er auch) , Fassaden der Villa Spesa, der Villa Foscari, der prachtvollen Villa Poiana, die Loggia der Villa Pisna, die wunderschönen Fresken u.a. von Tiepolo und Fasalo in den Räumen dieser Villen und beeindruckende Gartenaufnahmen mit klassischen Skulpturen lassen den Rahmen erahnen, in dem die damalige Highsociety das Leben genoss.

Man sieht vor dem geistigen Auge edel bekleidete Damen die Buchswege entlang wandeln, ahnt wie die kostbaren Murano -Lüster Abendgesellschaften in weiches Licht tauchten und die Damen noch schöner machten. Beindruckend, die vielen Skulpturen auf den Dächern, die die alten Villen zu behüten scheinen, die in zartes Blau und Rosa gehüllten Innenräume und immer wieder die kunstvollen Fresken und Skulpturen, die dem Schönen in ebensolcher Weise huldigen wie die Musik aus jenen Tagen.

Während ich immer noch diesen Klängen lausche, vertiefe ich mich erneut in die beiden Fotos von Petrarcas Villa, bewundere die Fresken am offenen Kamin dort und überlege, ob er hier einst saß als ihm die Sentenz " Es ist ein großer Unterschied, ob ich etwas weiß, oder ob ich es liebe; ob ich es verstehe, oder ob ich nach ihm strebe " in den Sinn kam. Welche Erfahrungen und Gedanken mochten dieser Sentenz vorausgegangen sein?

Sehr empfehlenswert.